EDGAR MUSIC

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domingo, 31 de julio de 2011

REMMY ONGALA SONGS FOR THE POOR MAN

 REMMY ONGALA:Ramadhani "Remmy" Mtoro Ongala (1947 - 13 de diciembre de 2010) fue un tanzano guitarrista y cantante. Ongala nació en Kindu , República Democrática del Congo . Los niños estadounidenses sueño de convertirse en músicos de pop por el glamour de estilo de vida que acompaña pop estrellato en los Estados Unidos. Para Remmy Ongala, que creció en Zaire y vive en Tanzania, la música era una constante, completamente tejida en su vida cotidiana. Convertirse en un músico era tan natural para él como una carrera en la agricultura sería la de alguien que se crió en un pueblo agrícola a distancia. En su canción "Lolango", articulado Ongala sus razones para ser un músico: "¿Qué es mi trabajo Mi trabajo es cantar yo vivo para que pueda cantar, comer, porque yo canto todo en la vida es porque yo canto.."
Realizando sobre todo en un país donde las instalaciones de grabación son escasos , las leyes de derechos de autor son inexistentes , y la música se reproduce en pequeños clubes en lugar de gigantescos estadios deportivos, Ongala ha logrado obtener un seguimiento internacional. Muchas de sus canciones tratan directamente con los temas de la pobreza urbana, el desempleo y la muerte. Sin embargo, su mensaje de esperanza para el más débil frente a la opresión parece un eco con los oyentes de diversos orígenes. A pesar de que canta principalmente en swahili, la pasión con que Ongala presenta su caso trasciende las barreras del lenguaje.
Ongala nació en 1947, en el Kivu región del este de Zaire, que en ese momento era conocido como el Congo Belga. Su familia vivió en Kindu, no lejos de la frontera con Tanzania. Poco después de Remmy nació, se trasladó a Kisangani , a unos 250 kilómetros al norte. En estas áreas, como en gran parte de África, la música permeado casi todas las facetas de la vida, y Ongala se sumerge en ella desde el nacimiento. Su padre era un músico de talento, a nivel regional conocido como un tambor de mano y un reproductor de mbira. El mbira, una pieza hueca de madera o calabaza teniendo listones de madera o de metal que vibran cuando arrancó, es uno de los diversos instrumentos Ongala comenzó a aprender de su padre a una edad muy temprana.
Gary Stewart, en su libro Breakout, contada por cuenta propia Ongala de las circunstancias comunes que rodean el nacimiento del músico. Según Stewart, la madre de Ongala había estado embarazada dos veces antes, y las dos veces que el niño había muerto. Como última esperanza, se volvió hacia uno de los médicos tradicionales locales para pedir consejo. Él le dijo que no vaya al hospital la próxima vez que estaba embarazada, sino que el bebé nació en la selva con la ayuda del curador. Luego le advirtió que nunca para cortar el pelo del niño, un voto que mantuvo por el resto de su vida.
En su juventud, Ongala se avergüenza de su hirsuto cabello. Pero después, cuando el reggae estrella Bob Marley imagen "s se hizo visible en el Zaire, los bloqueos se convirtió en un motivo de orgullo. Remmy también nació con dos dientes intactos frente, piensa que es una señal de que él mismo podría llegar a ser un sanador. Aunque optó por no seguir esa carrera, "El Doctor" se convirtió en eventual apodo es Ongala entre los aficionados de Zaire y Tanzania.
Cuando Ongala tenía sólo seis años, su padre murió. Desde que su madre no podía pagar la escuela, Ongala se vio obligado a dejar de fumar. Por la década de 1960, Ongala se estaba enseñando a tocar la guitarra. Cuando su madre murió en 1964, se convirtió en el jefe de la familia, responsable del cuidado de sus hermanos menores. Sin opciones de trabajo disponibles, Ongala comenzó ganándose la vida de reproducción de música.Su guitarra mejoró rápidamente, y pronto fue capaz de conseguir un trabajo frecuente jugar en hoteles de la zona. Para los siguientes doce años, realiza una gira por todo el este de Zaire y Uganda, a tocar la guitarra y la batería con una serie de bandas de la región, incluyendo Succ s Muachana y Jazz Gran Mickey.
Mientras él estaba enseñando a tocar la guitarra, y como él desarrolló su propio estilo durante la primera parte de su carrera, Ongala estuvo muy influenciado por el nuevo estilo urbano Congo de la música que se hacía popular en la década de 1960. La música cubana también se reproduce ampliamente en el este de África en ese momento. Ongala cita como sus principales influencias de la época del canto de José Kabasele y la relajada y rumba estilos de guitarra de un artista conocido simplemente como Franco.
En 1978 Ongala fue convocado por un tío de Dar-es-Salaam, la capital de Tanzania, para unirse a la Orquesta Makassy , una popular banda liderada por Mzee Makassy, ​​que también era originario de Zaire. Mientras que un miembro de ese grupo, Ongala escribió su primer éxito, "Sika Ya Kufa (El día que me muera)", en honor a un amigo que había fallecido. La tenencia de la Ongala con la Orquesta Makassy duró unos tres años. Luego se marchó para unirse a la Orquesta Súper Matimila , otro grupo de arriba-y-venir de Tanzania.
Matimila, cuyo nombre proviene de la de un pequeño pueblo cercano, se convirtió en un accesorio en la animada Dar-es-Salaam escena de la música club, y Ongala se convirtió rápidamente en el líder del grupo. La banda llegó a tener 18 miembros, aunque por lo general sólo seis u ocho que aparecen en el escenario en un momento dado de rendimiento, ya que club de conciertos en Tanzania puede durar hasta seis horas. La atmósfera informal permitió a los músicos para girar y salir libremente, por lo general entre dos guitarras, un bajo, una batería estándar, otros instrumentos de percusión africana, y un saxofón . Casi todo el mundo cantaba.
Durante la próxima década, se convirtió en Ongala uno de los compositores más prolíficos de Tanzania. Por lo general deja las canciones de amor a los demás, concentrándose en cambio en la escritura de letras que abordaban las preocupaciones sociales. Incluso después de alcanzar un nivel razonable de vida confortable para sí mismo, Ongala continuó defendiendo a los pobres en sus canciones. Llamó al estilo de su materialubongo, que a grandes rasgos significa "música cerebral" en swahili.
Esencialmente no existe industria discográfica en Tanzania, y por lo tanto, no existe un mecanismo para el cobro de regalías, del mismo modo, los sindicatos de músicos y de las leyes de derechos de autor no están disponibles. Los músicos locales son casi totalmente dependientes de las actuaciones en directo de sus ingresos, y al mismo tiempo la escena musical en los alrededores de Dar-es-Salaam es ciertamente vibrante, la competencia entre las bandas es feroz. Como Matimila llamó la atención, el grupo comenzó a grabar algunas de sus canciones para la radio de Tanzania, pero esto no se tradujo en grandes cantidades de dinero como Airplay en el Occidente en general lo hace.
La introducción de la música Ongala a un público europeo se inició en forma sencilla. A finales de 1980, Ongala dio una cinta de su banda a un amigo británico que estaba a punto de regresar a Inglaterra. La cinta fue aprobada finalmente por los miembros del mundo de la Música, Artes y Danza (WOMAD), una organización que promueve los artistas del Tercer Mundo. La gente de WOMAD se quedaron tan impresionados por el material que Ongala y compañía fueron invitados a participar en la gira de 1988 WOMAD.
Las audiencias occidentales aprecian la música bailable Ongala inmediatamente. De vuelta en Tanzania, sin embargo, su debut en Europa no fue elogiado universalmente. Uno de los miembros de la prensa, Omar Bawazir, fue especialmente duro. Escribiendo en Uhuru, criticó a la banda para llevar a cabo con "estómagos desnudos y redondeados" en vez de en traje occidental normal, alimentando la prensa occidental está sesgadaideas sobre el subdesarrollo del Tercer Mundo.
Cálida recepción europea Matimila llevó WOMAD para lanzar una colección de las mejores grabaciones de radio Ongala de Tanzania desde la década de 1980. El álbum resultante, titulado Nalilia Mwana, presentó una serie de canciones que tratan con la política de la pobreza. Se incluyeron títulos como "Ndumila Kuwila (No hables con dos bocas)," y "Hana Mnyonge Haki (los pobres no tienen derechos)."
Valoraciones de Europa Ongala debuta, en vivo y grabadas, casi por unanimidad estelar, lo que lleva WOMAD invitar al grupo a lo largo de su gira 1989 también. Matimila también fue invitado a grabar en un estudio de Western bien equipado por primera vez. El producto resultante, Canciones para el hombre pobre, fue grabado en los estudios reales estrella del rock británico Peter Gabriel Mundial, y editado en el sello mundial WOMAD afiliados Real. Una vez más, el álbum estaba repleto de canciones escritas desde la perspectiva de los oprimidos .
Songs for the Poor Man incluido "Kipenda Roho", un himno contra el racismo, que proclama la universalidad del amor. Este fue un tema especialmente cercano al corazón de Ongala, ya que se había casado y había tenido tres hijos con una mujer inglesa blanco por el momento. Aunque la mayoría de las canciones en el álbum había sombrío temas, la música en sí se eleva. Con su recién descubierta el acceso a los sofisticados equipos de grabación, Ongala fue capaz de producir un limpiador de sonido sin sacrificar la autenticidad de sus raíces musicales.
En 1990, Ongala y Matimila Súper dio a conocer un segundo disco británico en el mundo real. De nuevo sobre la base de la soukous y las tradiciones de su tierra natal rumba, Ongala producido Mambo, otra colección de canciones sobre política y social injusticia . Mambo se traduce aproximadamente del swahili, como "cosas" en el sentido de los comentarios o inquietudes. En un esfuerzo por involucrar a su creciente audiencia internacional, con el significado de sus canciones y no sólo sus pulsaciones infecciosas, Ongala cantó varias canciones en Inglés en Mambo. Una vez más, el tema más frecuente encontrar en el álbum es la pobreza. Entre los títulos de las canciones en Mambo son "Sin dinero no hay vida" y "One World".
Mientras tanto, la popularidad de Ongala en casa en Tanzania continuó elevan así, aunque el elemento de protesta en gran parte de su material no siempre endear lo que los funcionarios del gobierno. Ongala creó una controversia en 1990 por la liberación de una canción llamada "Mambo Kwa calcetines (las cosas con los calcetines)," una referencia a Tanzania argot para los condones . La canción fue una petición a los jóvenes africanos para ayudar a frenar la propagación del SIDA por practicar sexo seguro.
En general, los músicos no se llevan a cabo en alta estima en Tanzania. A menudo son retratados en la prensa como los vagabundos y drogadictos. Entre la gente común, sin embargo, que la causa de su cuerpo de trabajo celebra, Remmy Ongala está bien en su camino para conseguir la condición de héroe popular. Una parada de autobús en el distrito de Sinza de Dar-es-Salaam, por ejemplo, ha pasado a denominarse Sinza kwa Remmy. A pesar de que su audiencia crece para incluir muchos de los que no son ni pobres ni oprimidos, el mensaje es más fuerte Ongala habla a las personas que están más acostumbrados a los autobuses atestados de automóviles que cómodo.Un músico en aumento desde finales de 1980, Remmy Ongala era parte del soukous escena (una especie congoleña de Rumba ), que junto con su Orquesta Súper Matimila ayudó a transmutar la música de Tanzania a menudo se llama Ubongo , el Swahili palabra para el cerebro, en Tanzania , que a su vez condujo a Tanzania, hip-hop en particular en la ciudad de Dar es Salaam durante la década de 1990. Ubongo suele ser percibida por los artistas y oyentes por igual como "consciente" de música, que contribuye activamente al paisaje sonoro de Tanzania con el comentario socio-político. Creer en la abolición del racismo y la injusticia social, Ongala infunde sus letras con estos mensajes. [ 2 ] Su mensaje inspirador le ha llevado a ser apodado "el doctor Remmy". Tras el fin del régimen colonial británico en 1961, Julius Nyerereintroducido el valor de Ujamaa , o familyhood, que hace hincapié en la igualdad y la justicia. Tal se convirtió en un tema recurrente en la música de muchos artistas de Tanzania, incluyendo Remmy Ongala.Que se informó que murió en su casa el 13 de diciembre de 2010 en Dar es Salaam
wahili música era terra incognita para mí hasta que un día en el verano de 1984.Fui a visitar a Edmund Ogutu, un amigo mío de Kenia. Había llevado a cabo una pila de África Oriental 45 y los estaba tocando para mí. Sin duda disfrutamos de los sonidos de los Hermanos Kilimambogo y Jazz DO7 Shirati, similar en algunos aspectos a la música africana otro yo conocía, pero refrescante en su sencillez rústica. Luego sacó una Edmund Polydor etiqueta roja 45. La canción era "Mariamu", y fue por un grupo llamado Super Matimila Tanzania. Desde los primeros compases me sentí transportada por completo. Aquí había algo que claramente comparte el ADN de la música de Congo, pero había mutado en diferentes maneras sutiles. Obviamente, el hecho de que era en swahili y no lingala fue un punto de diferencia, pero lo que realmente me llamó la atención fue elcantante, quien tenía un estilo de jazz, improvisación vocal que era fresco y cálido, amable y reservado en el mismo tiempo. En cuanto a la discográfica que descubrí que esta persona fue nombrada Remmy Ongala. Edmund no podía decirme nada de él. Ahí es donde estaban las cosas hace un par de años, hasta que leí un artículo de Ron Sakolsky en Sound Choice , una revista musical largamente olvidado. Ron había vivido en Tanzania y, habiendo sido igualmente transformado por la música de Remmy Ongala, quería contar la historia de este gran hombre. Resultó que Remmy era originario de Kindu, en el Congo. Comenzó su carrera musical en ese país (luego rebautizado Zaire), y emigró a Uganda, para terminar en Dar-Es-Salaam, Tanzania en 1978, donde se unió a la Orquesta Makassy, ​​una banda liderada por su tío. Tres años más tarde se marchó para unirse Súper Matimila y pronto se convirtió en su líder. Me puse en contacto con Ron y él me envió dubs de más registros por Remmy Ongala, maravillosas canciones como "Ndumila Kuwili" y "Mnyonge Hana Haki". Por último, en 1988, los expedientes Womad en Gran Bretaña publicó un antología de larga duración de las grabaciones de África oriental Remmy Ongala de, Nalilia Mwana Remmy y Orquesta Súper Matimila actuó en el Festival WOMAD ese año y en 1989 grabaron su primer "profesional" álbum,Songs for the Poor Man ( RealWorld CDRW6), seguido en 1992 por Mambo ( RealWorld CDRW22) . Ambos discos están muy bien, pero en mi opinión la intimidad e inmediatez, el alma de las grabaciones de Tanzania se ha perdido en la transición a un "profesional", "moderno estudio de grabación". Nalilia Mwana , que nunca fue editado en CD, ha sido durante mucho tiempo fuera de impresión, y hasta donde yo sé no hay planes para volver a emitir, aunque una versión editada de la canción apareció en 1995 de Sema (WOMAD Seleccione WSCD002). Me duele que el público general no está familiarizado con la sonidos verdaderos y auténticos de Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila, la música que es conocido y amado por millones de personas en el este de África. Para rectificar esta injusticia presento varias pistas de Nalilia Mwana y de otro álbum que se publicó sólo en el Este de África, de 1988 en el escenario con Remmy Ongala(Ahadi AHDLP 6007). Las descripciones de las canciones son del revestimiento señala: "Nalilia Mwana" (I Cry for a Child) es el lamento de una mujer que no puede dar a luz: "Mola, a ti grito, Mola, te beseetch, ¿qué debo hacer para merecen esa desgracia. Un niño no es algo que se puede comprar ... A la madre de un niño que nunca crece. Incluso si fuera cojo, o feo como Remmy, seguiría siendo un niño ".Remmy Ongala & Super Orquesta Matimila - Nalilia Mwana Nuestro siguiente selección es también de Nalilia Mwana . "Ya Sika Kufa" (The Day I Die) cuenta la triste historia de un hombre que se está muriendo: "La belleza se acaba, se acaba la juventud, la inteligencia ha dejado Pero la casa que construí permanece y mis hijos están llorando Un cadáver tiene.. hay compañeros - todos mis amigos huir de mí Mientras que solíamos comer y beber juntos Ahora tienen miedo de mí Ahora soy como el diablo ".... Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Sika Ya Kufa "Ndumila Kuwili" (No hablamos con dos bocas), el último de Nalilia Mwana ., se refiere a que milenaria problema, los celos: "Solíamos ser amigos Vivimos juntos como hermanos, pero me sorprende, hermano - no hable. .. Jugando con dos bocas de una persona contra otra celos y la discordia no es el camino correcto "". Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Ndumila Kuwili "fue Kifo" (muerte) mi canción favorita en Canciones para el hombre pobre , así que cuando He recibido una copia de On Stage con Remmy Ongala , que incluye el original, tenía curiosidad por saber cómo las dos versiones comparadas. Este es un caso en el que, en mi opinión, el "remake" es una mejora con respecto a la original, que es una melodía muy bien ya la letra:. "Muerte, te llevaste mi esposa. Mi hijo llora todos los días."Padre, ¿dónde está mi madre?" Pero no puedo encontrar las palabras. Las lágrimas se caen por mi cara. . Por tu culpa, la muerte " Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Kifo Un remake de "Narudi Nyumbabi," desde el escenario con Remmy Ongala , apareció en Mambo bajo el título de "I Wanna Go Home", y aquí es el original . claramente superior Hay algo acerca de la "baja tecnología" naturaleza de la grabación, y las letras en swahili, que sólo expresa la intensidad de las letras mucho mejor: "Quiero irme a casa. Tengo que volver a casa. El lugar que es nuestro hogar. Bueno o malo sigue siendo el hogar ". Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Narudi Nyumbani Hace un par de años me convenció Doug Paterson de la página de Música de África Oriental  Les dejo a consideracion los dos trabajos enlazados los dos LP ,para el disfrute de todas las canciones de Remmy , cuyas cintas han estado muy escondidas , son 18 temas con dos LP



miércoles, 27 de julio de 2011

ANGOLA 1972-1973

Angola 70 es un Lp que reúne artistas de la talla de Paulino Pinhero ,Ngomma Jazz, Super coba y otros entre los cuales se destacan: Finpantima , Celestina , Belita kirikiri , Merengue Rebita ;temas disfrutados en Barranquilla en la gran época verbenera en todos los bailes populares. 
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martes, 26 de julio de 2011

HOMENAJE AL JOE ARROYO

Álvaro José Arroyo González nació en Cartagena el 1º de noviembre de 1955, bajo la tutela de sus padres Guillermo Arroyo –quien los abandonó al nacer– y de su segunda esposa Ángela González, una administradora de hoteles humildes. Guillermo Arroyo, el popular «Negro Chombo», tuvo 39 hijos, con seis mujeres, todas llamadas Ángela. Su trayectoria profeccional empezo cuando ingreso a la orquesta "La Protesta", fundada en el año 1970, por los hermanos Leandro & Castulo Boiga, esta orquesta hacia sus presentaciones en el balneario de puerto de Colombia, llamado El Escorpion, despues de esto al a ver sido escuchado por Locutores como Marcos Perez, fue invitado a grabar con los Lideres donde grabo Los Barcos en la Bahia ;Joe Arroyo nació en Cartagena en 1955, en medio de duras carencias, entre ellas, la de la figura paterna. Su barrio, Nariño, era el de los palenqueros, de ahí el rasgo africano que marcaría su música; muy joven aprendió las palabras de la lengua criolla de origen bantú -heredada de la que trajeron esclavos senegaleses- que luego aparecerían en muchas de suscomposiciones.Comenzó a cantar en el coro de su colegio, el Seminario Santo Domingo. Por esos días cantaba con un balde en la cabeza, de los que usaba para llevarle agua a su mamá, y alternaba entre el coro religioso y sus frecuentes apariciones en los burdeles de Tesca, antigua zona de tolerancia de Cartagena. Para entonces ya había decidido que lo suyo era la salsa, con Richie Ray y Bobby Cruz como referentes.
Pronto pasaría de cantarles a los obispos a alternar con varias bandas cartageneras y a conquistar la audiencia con el show que hacía en el programa Radio Vigía, de la emisora Fuentes. Poco después se mudó a Sincelejo, bajo el amparo del maestro Rubén Darío Salcedo, quien lo mandó a guardar el 'Álvaro José' para bautizarlo 'el Joe'.
Con la orquesta de Salcedo hizo sus primeras correrías por el país. Permaneció en ella hasta el día en que lo contactaron unos músicos disidentes de la orquesta Michi y su Combo Bravo. Lo necesitaban para un proyecto con un propósito claro: "Hacer salsa brava, a lo Richie Ray". Así nació La Protesta.
Como voz principal de La Protesta llamó la atención de Discos Fuentes, sello que lo reclutó en 1972 y de una vez lo puso a cantar en la orquesta estelar del momento: Fruko y sus Tesos, que acababa de perder a su voz principal, Piper Pimienta, por diferencias con Fruko. Con apenas 17 años conformó con Wilson Manyoma Saoko un dúo que dejó huella en la música tropical colombiana. La orquesta también le dio una denominación de origen, Colombia, a la salsa que tocaban. Toda una novedad.
De esta época son canciones que todavía hoy suenan, como Nadando, Manyoma, Confundido y El caminante. Después de casi una década de sólo éxitos con Fruko, el Joe sintió que era hora de brillar con luz propia y, según ha dicho, movido por un sueño que tuvo, decidió montar su propia orquesta: La Verdad, proyecto que tardó varios años en despegar.
En ese lapso tuvo una fuerte crisis de salud a la que llegó tras tomar la ruta de los excesos y que llevó a una emisora de Barranquilla a anunciar su muerte. Problemas con la tiroides por poco obligan a los médicos a extirpar esta glándula, lo que habría comprometido sus cuerdas vocales. Por suerte, a punta de yodo radioactivo se recuperó. Y de qué manera.
Vino entonces la cúspide de su carrera. Con La Verdad recorrió el mundo y entre 1985 y 1990 produjo un álbum por año, y cada uno traía un hit más arrollador que el anterior. De esta época es Rebelión, una declaración de principios, una canción sobre la opresión de los españoles a su pueblo que ha sido centro de jolgorios y estudios académicos por igual y que partió en dos su trayectoria.
Con ella refrendó su ingreso a las grandes ligas de la música latinoamericana. Rebelión también le abrió las puertas de la BBC, que le dedicó un capítulo de una serie documental sobre músicos sobresalientes de todo el mundo.
Por esta época también les cantó a los reyes de España en Expo Sevilla 92; el diario The New York Times se refirió a él como uno de los artistas más importantes del planeta y firmó en Inglaterra con el sello Island Records, el mismo de Bob Marley y U2. Además, ganó cuantos Congos de Oro quiso en el Carnaval de Barranquilla, y una noche de 1992 en la que festejaba sus 20 años de vida artística se dio el lujo de convocar a 60.000 seguidores en El Campín.
Tras alcanzar la cima, vino la retirada, a finales de los 90. Pasó la última década en cuarteles de invierno, con pocas apariciones y muchas malas noticias, entre ellas una que lo devastó: la muerte de su hija Tania, en el 2001. Todo esto entre múltiples complicaciones de salud: a sus problemas con la tiroides se sumaron una infección en los pies, fallas en los pulmones, hinchazones constantes en la piel, fatiga muscular y, por último, una insuficiencia renal.
Y es que su vida fuera del escenario, mucho más nocturna que diurna, ha sido fuente de inspiración, pero también la causa de buena parte de estos problemas. "Joe siempre vivió al revés: a los 13 años, salía a las 10 de la noche a cantar en los burdeles de Cartagena, volvía a las 4 de la mañana y de ahí salía a estudiar a las 7.
Desde entonces se acostumbró a ser un vampiro, a vivir de noche", asegura Mauricio Silva, autor de su biografía El centurión de la noche. Y con la noche, sus peligros: las mujeres, que no le faltaron, el licor a borbotones y de ahí el salto a las drogas fuertes, sobre todo al bazuco, que desde muy joven lo atrapó y al que le hizo múltiples guiños en las letras de sus canciones. Nunca ha negado su consumo, pero tampoco lo ha proclamado.
"Siempre quedó en el imaginario un tipo sabrosón que fuma bazuco y mete cocaína. No mandaba mensajes como David Bowie o el mismo Héctor Lavoe, nunca hizo una declaración fuerte y polémica sobre el tema como sí lo han hecho tantos 'rockstars'. La gente se quedó con el negro chévere y bacano", dice Silva.
Un "negro bacano" que alcanzó, como ningún otro colombiano lo ha hecho, las grandes ligas de la música latina. "Él está en un olimpo con Celia Cruz, Ismael Rivera y Benny Moré", dice Silva.
La causa de su grandeza, lo que lo hace único es que, como ninguno antes lo había hecho, Joe miró al África y de allí tomó ingredientes para enriquecer sus trabajos, además de trajes y collares que lucía en los conciertos. Se propuso buscar las raíces no sólo de su música, sino de su pueblo en este continente. Tendió un puente musical entre dos lugares con un pasado común. Y lo hizo no sólo para enriquecer su repertorio.También se preocupó por reescribir la historia. Por darle voz a su gente afro. Y es que gran parte de su suceso se debe también a que supo decir cosas importantes. Sus letras tienen sustancia, no son las de la salsa romántica de los últimos años. Sabe hablar con elegancia del amor, pero también de las dificultades más cotidianas, de la noche y de las herencias de una cultura. Y todo con una voz prodigiosa.Además, fue el primero que rescató sonidos tradicionales africanos y del Caribe y los fusionó con otros más contemporáneos. Así dio a luz a su 'joesón', como él mismo bautizó en 1985 una música que cada vez se hacía más singular. Y tras el 'joesón' vino otro periodo fundamental en su carrera. "A partir de 1994, se dedica a la investigación del sabor caribe. Sus últimos éxitos fueron folclóricos: lejos de la salsa y el 'joesón', se mete más por el río Magdalena e incorpora a su repertorio canciones de cuna de las negras del río; bullerengues y chandés, entre otros", apunta Silva.
Todo esto le permitió darles un nuevo aire a la salsa y a la música colombianas. Abrió el camino por el que hoy transitan los grupos que mandan la parada. Así lo reconoce Simón Mejía, de Bomba Estéreo: "El hecho de retomar ritmos colombianos, de volver a mirar toda esa herencia africana que tiene la música para producir música y generar nuevos sonidos ha sido el punto de partida de Bomba Estéreo y esto es en gran parte herencia del gran Joe".en la casa disquera "Discos Fuentes" a una prueba con la ya famosa y conocida orquesta de Fruko & Sus Tesos, tiempo despues de a hacer fecundo varios exitos con dicha orquesta, la orquesta The Latin Brothers lo invita a grabar y pegar varios exitos  los cuales hasta el dia de hoy se escuchan como si fuera ayer. Pero no fue si no hasta el año 1981 donde Joe funda su propia orquesta llamada " La Verdad",con su primer LP titulado Arroyando donde se destacan temas como la Rumbera, poco tiempo despues de esto Joe tuvo que suspender todos sus compromisos artisticos por una enfermedad que lo llevo casi hasta la muerte. Ya al a ver superado la enfermedad, vuelve a la carga  y se pego tanto en colombia que llego a ganarse el premio mas alto que un musico pueda obtener en Colombia  [El Congo De Oro] En una desafortunada de su salud muy complicada fue recluido a un centro asistencial de la ciudad de Barranquilla donde permanecio varias semanas en cuidados intensivos , Hoy 26 de Julio 2011 muere el mejor interprete de la musica en Colombia de Cartagena , y Barranquillero de corazón nos dejo un gran legado como lo son todas sus interpretaciones musicales, muy pronto le estaré actualizando toda la vida artistica de este Gran Artista Latino que hoy nos deja sus canciones.Dentro de sus facetas musicales tenemos pendiente un trabajo discografico elaborado por Richie Ray And Bobby Cruz en Homenaje a este gran artista Colombiano.  

Ni el sofocante calor, ni las colas de una, dos y hasta tres horas, ni la edad, impidieron ayer a personas del común y corriente, a los de a pie, los que bailaron apretao y sueltos las canciones del Joe, las que lo vitorearon y le dieron la gloria en cada uno de los escenarios donde se presentó, dar el último adiós a su ídolo.
Como si el dolor fuera propio, por la partida de alguien muy cercano, los colores que predominaron, dentro y fuera de la Catedral Metropolitana María Reina de Barranquilla, fueron el negro, el blanco, el beige, el gris y el morado.
Y aunque el encuentro con el hijo adoptivo de La Arenosa a ratos parecía un Carnaval en esos en los que tantas veces cantó el Joe, y en el atrio retumbaban los parlantes con su música, las lágrimas saltaban y daban muestra del sentimiento de aprecio que todo un pueblo le profesaba y que evidentemente no esperaban una despedida tan temprana.
Sus seguidores sabían que ya no iban a poder esperar el próximo Festival de Orquestas para verlo; la de ayer era la despedida final.
Como tantos que desfilaron frente al féretro del cantante, el cual cubrían las banderas de Barranquilla y de la organización de autores y compositores Sayco Acimpro, Edi Morón, un hombre cincuentón y espigado, no aguantó su llanto, luego de hablar en voz baja con el que yacía dentro del cajón. “Le pedí que me guardara un espacio en el cielo, y le agradecí porque disfruté mucho con su música, porque fue un hombre del pueblo”, dijo con voz entrecortada.
Tampoco los pasos cortos que revelaban sus 88 años, impidieron a Dora Pérez viuda de Cueto, quien vestía de blanco y negro, llegar cerca del Joe y lo primero que le preguntó era que porqué se había ido tan temprano. “Dios le ha debido dar más larga vida, porque él tenía mucho que dar, cantaba muy lindo” dijo con sentimiento. Además lo visitó porque era paisano bolivarense.
Con el mismo pesar habló Nicanor del Portillo, un pensionado quien luego de vivir 45 años en Los Ángeles (EU) regresó a su ciudad natal. Junto al féretro le agradeció al artista su música. “Me hizo bailar y me alegró la vida. Joe: que Dios te acompañe y te tenga en el cielo y lástima que se haya acordado tan pronto de tí”, dijo mirando al firmamento.
Cantos de alabao. La fila era a ratos interrumpida para dar paso al grupo de cantadoras de música de alabado, que llegaron de Bogotá enviadas por el Ministerio de Cultura.
Con su potente voz, Olga Perea, dejaba salir una plegaria: “Eoooo, mi negro que ya partió, el negro ya descansó”, y que repetían las cuatro mujeres y dos hombres que hacen parte del cortejo, que daba vueltas alrededor del cajón. Sus voces hacían un tributo al sentir del pueblo afrodescendiente de Colombia, que con la partida del Joe también despidió a uno de sus más destacados exponentes.
Al renovarse la romería, John, un hombre de 35 años, se acercó con la carátula del disco de Los Latin Brothers, una de las agrupaciones donde el Joe inició su carrera artística. “Lo quería ver para decirle que lo quería mucho y que siempre vivirá en nuestros recuerdos”, dijo.
En la fila permanecía ansiosa por lograr su cometido de ver a su ídolo por última vez, Milena. Poco le importó tener que esperar más de tres horas, ni el calor que aguantó por llevar el chaleco de motorizada, ni tener que cargar el casco.
Las horas pasaban y la romería aumentaba a medida que se acercaba la hora del funeral y a sus seguidores se les agotaba el tiempo para la despedida.
Al final nadie se atreve a especular cuántas personas pasaron al lado del cuerpo del cantante, pero fueron miles.
Seguidores, fanáticos, conocidos, amigos, vecinos de otros tiempos, desconocidos o simples curiosos; barranquilleros, cartageneros, costeños y de otras tierras, todos dentro y fuera de la Catedral, no se cansaron de despedir al Joe con la estrofa que todavía retumba : “En Barranquilla me quedo”. Y nadie niega que la Costa extrañará, el pasito tun tun.
DISCOGRAFIA : ARROYANDO, MUSA ORIGINAL,ECHAO PA´LANTE; EN ACCION; EXITOS ;EL SUPER CONGO ; LA GUERRA DE LOS CALLADOS  ; TOQUE DE CLASE ; FUEGO ; LO DIFERENTE ; SUS RAZONES TENDRA ; ANTOLOGIA MUSICAL 1 ; ANTOLOGIA MUSICAL VOL2 ; AQUI ESTOY ; DEJA QUE TE CANTE ; EL SONERO DE AMERICA ; FUEGO EN MI MENTE ; REYNANDO EN VIDA ; CRUZANDO EL MILENIO ; EL BAILE DEL SIGLO 1 ; EN SOL MAYOR ; LOS REYES DEL TROPICO ; REBELION ; 14 CAÑONAZOS BAILABLES ; EL DISCO ORIGINAL 1 ; EL DISCO ORIGINAL 2 ; MARCANDO TERRENO ; MEJORES EXITOS TROPICALES ; GRANDES EXITOS 1 ; GRANDES EXITOS 2 ; LO SALSERO ; SE ARMO LA MOÑA ; SUPER JOE1 ; SUPER JOE2
DISCOGRAFIA COMPLETA:
CRONOLOGIA
HISTORIA DETRÁS DE U MUERTE
VIDEO
VIDEO2
VIDEO3http://youtu.be/wd6gcw2Ll1Y
MUSICA
VIDEO4
SEPELIO
DESPEDIDA DE BARRANQUILLA
COLECCIONISTA DANDO HOMENAJE EN BARRANQUILLA

FOLCLORE DE ANGOLA

Folclor de Angola es un Lp que reúne grupos como Musangola,Os Cotumbas,N´Goma Jazz con la interpretacion de temas clásicos , en nuestro medio picoteril como : Pe Descalco, Trigo Limpo  , que en el año 1976 fueron sensación y han quedado estampados en nuestra agenda musical Afrocaribeña .
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lunes, 25 de julio de 2011

JOE ARROYO MARCANDO TERRENO

Joe Arroyo , rinde un sentido homenaje a unos de los grandes interpretes de la salsa Pete Conde Rodriguez , con sus interpretaciones:La esencia del Guaguanco , shalom malecom, soy hijo del siboney y otros temas hacen de esta producción un gran encuentro salsero al estilo de Alvaro Jose Arroyo con su orquesta la verdad.
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domingo, 24 de julio de 2011

Explorer: Zimbabwe - The Soul of Mbira


"La gente Shona creen que la muerte es el paso del cuerpo de una forma física
a otro y una separación del espíritu del cuerpo a un mundo superior de los espíritus que viven.
Espíritus de los antepasados ​​son una fuente de confort, así como la piedra angular de la actividad religiosa para,
la vida creen que están protegidos de cualquier daño mundo por sus espíritus.
En caso de una desgracia súbita ocurrir a una familia, que a su vez primera a sus espíritus ancestrales para el asesoramiento,
orientación y protección. En muchos casos, una familia tiene un espíritu especial,
o Mudzimu que, cuando está debidamente aplacado, habla directamente a la familia a través de
un medio de espíritu vivo. En una larga y protocolo de la ceremonia especial intensivo,
llamado Bira o ceremonia espíritu posesión, canciones especiales, seleccionadas de un amplio repertorio
de los acuerdos espiritual, se recordó el espíritu de dar la bienvenida a una persona fallecida es nuevo en la familia.
Shona oraciones, poemas y palabras de alabanza son recitados.
Es en este contexto que mbira se juega no simplemente como la música, sino como un medio de comunicación
con los espíritus. A pesar de la mbira es el medio de entender para llamar a los espíritus,
los espíritus sólo participará en la ceremonia bira si la música para mbira los mueve.
Por lo que requiere habilidad y resistencia y un conocimiento de las canciones de los espíritus como para un jugador de mbira
para llamar correctamente a un espíritu que posee a un médium espiritista.
Es durante una ceremonia que los espíritus ancestrales de escuchar las preocupaciones de los miembros de su familia que vive
así como impartirles la sabiduría, consejo, olvidado las costumbres familiares y de un protocolo que asegure una familia sana y exitosa, o de la comunidad.
Esta es la función más importante de religiosos y espirituales del instrumento en la cultura Shona
y las llaves de metal tradition.The están hechas de hierro fundido que se excava desde las colinas y montañas sagradas sagrado donde los jefes de Estado y Shona Shona son enterrados.
Las teclas de modo personificar la presencia de los espíritus ancestrales directamente en el instrumento.
La tarjeta de sonido, hecho de un tipo especial de árbol, mubvamaropa, representa una fuente de la vivienda y combustible, necesidades básicas en la vida cotidiana Shona.La calabaza o resonador deze, en el que está montado el mbira y apoyó como un amplificador de segundo nivel es un tipo especial de calabaza seca, llamada Nhangatanga o la calabaza en primer lugar, que es una fuente de alimento.
También se utiliza como contenedor de agua, dende. En su forma más pequeña y seca, la calabaza nhangatanga se utiliza como una calabaza para beber, mukombe. El instrumento por lo tanto simboliza los elementos básicos de la vida cotidiana en shona.
El jugador mbira agrega la dimensión final y humana necesaria para completar una institución Shona social ".

jueves, 21 de julio de 2011

BOOGALOO SHING A LING WITH LATIN SOUL


Orquesta Latin Soul conformado bajo la dirección de Pete Rodriguez y la participacion de Tony Pabon , nace bajo la necesidad de recoger aquellos estudiantes que se reunian en las esquinas de New York interpretando el Shing a ling ritmo impuesto en ese entonces , en este Lp se destacaron los temas: Descarga Latin Soul, La Banda, Eh Lulu y otros mas hacen de esta orquesta  una euforia musical.
En mi repertorio musical disfruto del tema A place in the sun, comparto con ustedes este Lp  de mi repertorio musical con algunos clip ,para evitar dañar la sonoridad del LP




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miércoles, 20 de julio de 2011

BARRABAS RECOPILATION

 Pocos saben que Barrabás ha sido el grupo español que más discos de larga duración ha vendido en el mercado estadounidense, aún menos saben que han ocupado el nº 1 de ventas en países como Canadá o Alemania, que han ocupado el nº 1 en las listas de música negra en Estados Unidos y que en 1975 fue designado por la revista Playboy mejor grupo mundial en la clasificación de estilo funky. Eso fue Barrabás, auténtico funky español para el mercado internacional y un grupo que hoy cuesta trabajo reconocer como nuestro, dado el estilo absolutamente norteamericano de su música.


En principio, Barrabás quiso reunir en un solo producto el rock latino de Carlos Santana y la colorista música africana, en aquellos momentos representada por la banda Osibisa. En sus inicios, practicaron una música de claras raíces afroamericanas, que evolucionó con el tiempo hacia el funky y la música disco, todo ello con un sello personal que les hizo diferenciarse de otras bandas de su época.
Barrabás fue un invento de Fernando Arbex, ex componente de Los EstudiantesLos Brincos y Alacrán. Sin embargo, en esta ocasión; Fernando se mantuvo al otro lado de la pecera en tareas de producción y, aunque tocó en el primer LP, jamás actuó en directo con el grupo. Para la grabación de su primer LP, “Barrabás” (RCA, 1972), editado por RCA, Fernando Arbex (batería) reúne a Ricky Morales (guitarra solista), Miguel Morales(guitarra) -los dos hermanos habían formado parte de la última etapa de Los Brincos-, Iñaki Egaña (cantante y bajo) -ex componente de Los Buenos y Alacrán-, Joao Vidal -ex miembro de Los Grimm (piano y órgano)- y Ernesto -Tito- Duarte (percusión, flauta y saxo).
Entonces se produce los pelotazos internacionales de dos de los temas incluidos en este LP: “Wild safari” y“Woman”. Fernando configura una banda con parte de estos músicos y otros nuevos. De este modo, Barrabás en directo hace  presentación con: Ricky (guitarra), Miguel (que pasa al bajo), Joao (teclados), Tito (percusión) el cantante Iñaki Egaña y el batería José María Moll. Poco después, tras alguna discusión con Fernando Arbex, Iñaki abandonaría el grupo y sería sustituido por el nuevo cantante, José Luis Tejada, procedente de Los No.
En 1973, la RCA los traspasa a su filial Ariola, donde graban su segundo LP: “Barrabás Power” (Ariola, 1973), que contiene el tema "Mr. Money", que será utilizado en un famoso spot de la televisión norteamericana y que acabará de introducir al grupo en aquel mercado. En septiembre de aquel año emprenden una larga gira por Centro y Sudamérica. De regreso a España, ensayan su tercer LP, que será grabado en Los Ángeles, "Release Barrabás" -"Soltad a Barrabás" (Ariola, 1974) contiene otra bomba. “Hi-Jack”, que llegará al nº 3 en el superventas norteamericano y al primer puesto de la lista  de Música Disco. Con este tema, la banda aprueba su gran asignatura pendiente y logra colocar tres semanas a "Hi-Jack / Lady Love" (Ariola, 1974) en lo más alto de la lista oficial de ventas de singles en España. La discográfica les propone por esas fechas trasladarse a vivir a Estados Unidos, pero la propuesta es rechazada.
Entre 1974 y 1976 el grupo graba tres discos de larga duración más, todos ellos en Nueva York. Daniel Louis sustituirá en ellos al batería José María Moll. Surgen las desavenencias y en 1977 el grupo se disuelve.
En 1981, Barrabás renace de sus cenizas con una nueva formación liderada por su antiguo batería, Jose María Moll, que también realiza labores de producción, el cantante José Luis Tejada y tres nuevos miembros: Koky(guitarra), Susy Gordaliza (bajo) y Armando Pelayo (teclados). Con esta formación grabarán dos LPs para Columbia Records: “Piel de Barrabás” (Columbia, 1981) y “Bestial” (Columbia, 1982), realizando un rock de desarrollo clásico bien interpretado, pero que para los que hayan escuchado las muestras sonoras de anteriores discos echarán de menos la contundencia rítmica que imprimía el antiguo bajista, Miguel Morales.
En 1983, la banda recuperará  a dos de sus fundadores y quedará constituida como trío para la grabación de su noveno y último LP, por razones contractuales: “Forbidden” (CBS, 1983) con Iñaki Egaña (bajo y cantante), Miguel Morales (guitarra) y José María Moll (batería). En formato trío y a sabiendas de que el LP no iba a gozar de excesiva promoción por parte de la discográfica y que tampoco podían tirar cohetes en gastos de producción, hacen lo que saben muy bien: tocar como excelentes músicos que son y desarrollar la música que les apetece, olvidándose de obligaciones discotequeras. El resultado es el LP más íntimo del grupo, sin  grandes temas, pero con un nivel medio estimable. Un LP que en su sencillez reivindica el buen grupo que fue Barrabás.
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jueves, 14 de julio de 2011

MAGIC GUITAR WILSON AND HIS COMBO

Wilson y su combo en 1961 con su guitarra mágica, este cubano nos deleito con sus temas, el mas conocido por el medio picoteril es el manisero tema netamente verbenero bajo el sello pochito , en nuestro medio llego en sencillo 45 RPM , aqui les he dejado algunos de sus temas para que los disfruten ;dando un recorderis esta seria el primer dibujo presentado por el pick up EL SOLISTA .


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domingo, 10 de julio de 2011

GOOMBAY! BEACHAM COAKLEY´S ORCHESTRA

El autentico calipso de las bahamas Orquesta Beacham Coakley s ha sido un gran activo del hotel Emerald Beach desde su apertura en 1954 en Nassau, en Bahamas, como vocalista Vincent Martin, utilizan la palabra Goombay su significado esta ligado a decir muchas gracias ;tiene influencias del congo en sus tambores ;es un ritual de ceremonias que se utiliza en el baile de tambores danzante. 
Este Lp con sello DECCA lo dejo a consideración de nuestros seguidores para su deleite , con matilda que representa un clásico de nuestro ámbito verbenero .Goombay es la música y la danza asociada a la batería goombay. El tambor goombay es un tambor de piel de cabra entre las piernas y juega con las manos. La música de goombay es similar a la del calipso de Trinidad, donde letristas canción cuentan historias de los acontecimientos cotidianos y extraordinarios de la comunidad local, y la música es simple en su progresión de acordes. Estas canciones son ricas en contenido histórico.




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sábado, 9 de julio de 2011

HIT PARADE VOL.1 Y 2 FOLKLOR BAYANZI RECOPILATION

Folklor Bayanzi Hit Parade Vol. 1 y 2  , es una recopilación de los mejores éxitos interpretados por las orquestas Musungue, Mbungbe, Bayanzi, Silasi,  Youlou Mbiala .Tiene estilos de canción de Rumba-lingala, el folclore y Sukuma-lingala con orquestaciones por Vox Africa, OK Jazz, el Hijo y el Hijo Groupe Folklorique Súper African Fiesta Sukisa. 

las canciones escritas por Masta-Zamba, Simaro, Casino, Izeidi, Mbumbi, Jeannot, Bombenga , Youlou, Checain y Alphonse Musengene.
Sonidos que recuerdan de inspiración posible para Graceland de Paul Simon, LP y las obras más recientes de los discos de oro adicionales sobre Thrill Jockey. Suaves guitarras eléctricas, los cuernos de luz, suave ranurado bongos, congas y mucho más. Todas las voces en diferentes idiomas.

LA KORA DU SENEGAL VOL 1 LAMINE KONTE


 Con ritmos de percusión desde Senegal con la voz de Lamine Konté interpretando temas con sonidos étnicos y persecución ,tema musical sonado en aquellas épocas de verbenas en la ciudad de Barranquilla , sus grandes maquinas especialmente EL SOLISTA de Soledad Atlántico; con sus DJ estelares Donaldo Garcia y Luciano Barraza deleitaron a toda una fanaticada en esta ocasión, con el tema Lale Kaoma de Lamine Konte Aquí, en pocas palabras es el tema que inspiró las piezas reproducidas.
 Lale Kouma es una canción de la circuncisión de Casamance; Fodeba, un homenaje a Keita Fodeba,
 uno de los primeros embajadores de las actuaciones de África en el mundo; ;es nuestro recomendado en este fin de semana, Pieza que le encanta a nuestro colega y amigo Oscar Pajaro coleccionista de musica afroantillana , esperamos lo disfruten!

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martes, 5 de julio de 2011

SOOLIMAN E. ROGIE -AFRICAN LADY

SE Rogie nació, Sooliman Ernest Rogers, en el año 1926 en la ciudad de Fonikoh'',''que se encuentra en Pujehun, el distrito meridional de Sierra Leona, África Occidental. Su padre era un prominente líder de la comunidad que se llamaba Mboima Kpaka. ''Kpaka'', que se traduce en''''Rogers es tanto un apellido y una referencia a un determinado grupo de población en su mayoría ubicados en el sur de Sierra Leona. Kpaka hablar Mende, uno de los muchos dialectos que se hablan en Sierra Leona.Rogie murió en el escenario en Rusia. Mucha gente dirá:.''Quiero morir haciendo lo que amo''En el caso de la SE Rogie, esto era literalmente cierto. Muchos meses antes de su muerte a los 68 años, Rogie se habían sometido a una cirugía de by-pass del corazón. Mientras que canceló un par de shows para descansar y sanar, no podía dejar pasar la oportunidad de entretener a la gente rusa. Contra el consejo de su médico, a medio curar Rogie viajó a Rusia para llevar a cabo lo que sería su último concierto.
SE Rogie perdió el conocimiento, mientras que una etapa de realización. Su alma se deslizó en el otro mundo y dejó esta tierra para siempre. Él sigue siendo perdida por las personas en todas partes, incluso como su música sigue ganando atractivo universal. La tribu Mende es uno de los mayores grupos de la población de Sierra Leona. Era un vino de palma y el guitarrista highlife de Sierra Leona, que también podía cantar muy bien.Este álbum fue el primero que grabó durante sus dieciséis años de permanencia en los Estados Unidos.Rogie música es ligera y fácil, y este disco me recuerda de algodón de azúcar: esponjoso y demasiado dulces. No quiere decir que no me gusta, sólo que tengo que estar en el estado de ánimo, que viene con poca frecuencia. Sin embargo, la voz Rogie es difícil de olvidar, y algunas de sus canciones, al igual que la pista del título, se adhieren para siempre. Un par de sus primeros éxitos que se extendió por el África Occidental más de cuarenta años se recogen en otro disco, que yo podría ser capaz de ofrecer en el futuro. Esta es digno de una escucha para el canto y la guitarra y las canciones suavemente movimientos de balanceo. African Lady tema musical sonado en los grandes bailes de 1979 en Barranquilla por los pick up: El Solista , El Gran Pijuan , El Gran Torres, El Coreano ., El Timbalero y otros , fue un éxito que provocaba nostalgia en el bailador , tema programado en varias competencia de música , como tema verbenero , lo dejamos a consideración de ustedes nuestros seguidores!
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sábado, 2 de julio de 2011

GRUPO LOS PINOS

La mayoría de los componentes del grupo los pinos  son pequeños granjeros y su música es particularmente popular entre los trabajadores de las plantaciones de la caña de azúcar .Esta es una grabación espontanea realizada en un pequeño asentado rural en trinidad de cuba , en el patio de la casa  de los campesinos  










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ESTUDIANTINA INVASORA

Esta prestigiosa agrupación musical cuenta con 70 años de fructífera vida artística .El 24 de febrero de 1927 aparece en publico por primera vez en santiago de cuba , bajo la dirección de los gemelos Luis y Manuel Varela ambos ya desaparecidos ; el nombre surge a partir de grupos de estudiantes que salían interpretando música cubana por bares , fiestas , celebraciones publicas (como las tunas en España) Su nombre también devino de una comparsa que imitaba en sus trajes el de los antiguos estudiantes, la estudiantina surge en cuba a finales del siglo XIX en la región oriental de cuba , aqui les dejo este trabajo , como recomendado nuestro les dejo este trabajo con Odelaine Maracaibo para que recuerden nuestras programaciones dominicales en nuestra casa.
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