THE LAT TEENS

Bueno, mi hermano trabajaba con el Señor Pepe que era el manager del grupo los Lat-Teens y ese, al enterarse que yo era cantante me invitó. Le había pedido a mi hermano que lo llamara porque ellos iban a grabar con George Goldner y Cotique y no tenían un cantante. Así decidí a ayudarles a grabar el LP, empecé a ensayar con ellos y también ellos tenían amistad con Héctor Castro, que era el pianista de Johnny Pacheco y pues, logramos a hacer el Lp; pero yo todavía estaba con Johnny Colón . No tenía un contracto con Johnny, solo era un cantante que trabajaba con él de vez en cuando, tenía “guiso”, como decimos nosotros. Entonces canté con los Lat-Teens, trabajaba mucho con los Lat-Teens y después de un tiempo, pues, decidí a empezar de hacer lo mío.Tenemos aquí el LP del que estamos hablando, los Lat-Teens, y viéndolo se supone que la agrupación, los músicos que participaron aquí, la mayoría tenía unos 16, 17 o 18 años. Por lo menos en el bajo tenían a Jenny Torres, 16 años, en la guitarra a Carlos Pabón, 18 años, en la primera trompeta a Marty Morales, 17 años, en segunda trompeta, Eddie Texidor, 18 años, en la conga tenían a Néstor “Pipo” Colón, 18 años. Todos eran unos jovencitos.Sabrás que cuando me enteré de eso estuve muy sorprendido, porque con tanto tiempo que había pasado yo ni me acordaba que yo canté ese número, porque fue otra cosa de improvisación, lo único escrito era el coro, “me gusta así” y se me había olvidado completamente hasta que volví a escucharlo y “Reyo, ese soy yo” (se rie), la verdad.'Lat-Teens' es sinónimo de adolescentes latinos. También representa un período muy importante en la música que comenzó cuando Néstor Colón dio origen a esta gran asociación. Después de haber sido percusionista en los días de las grandes bandas tales como Machito, etc., él sabe como la música ayuda a mover a una persona. Con esto en mente, consiguió que su hijo y algunos de sus amigos se interesaran en formar una banda. Una vez que la banda se formó en los ensayos se dio cuenta de que los chicos necesitaban algo más que un guía, ¿quién podría enseñar música, escribir música y ayudarles a crecer como músicos individuales con el fin de que se conviertan en una gran banda (y es lo que son!)..."
Álbum del 1968, Cotique
Producción - George Goldner
Arreglos y Dirección - Héctor Castro
Participaron en la grabación:

Jenny Torres - Bajo
Carlos Pabón - Guitarra
Marty Morales - Trompeta
Eddie Texidor - Trompeta
Nestor "Pipo" Colón - Congas
Julio Jiménez - Timbales
Jackie Monell - Bongós
José "Puchi" Robles - Güiro, Vocal, Coro
Rey Dávila - Vocal

Invitados

Merino - Solos de Trompeta
Ray Toro - Coro
Norman Toro - Coro

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KATHERINE DUNHAM PRESENTS: DRUM RHYTHMS OF HAITI, CUBA, BRAZIL THE SINGING GODS

Katherine Dunham (junio 22, 1909 hasta mayo 21, 2006) fue un bailarín , coreógrafo y director de la compañía, así como un autor, educador y activista social.Dunham tenido una de las carreras más exitosas de danza en el teatro americano y europeo del siglo 20 y ha sido llamada la "madre matriarca y la reina del baile negro".
Durante su apogeo en los años 1940 y 1950, Dunham era conocido en toda Europa y América Latina y fue muy popular en los Estados Unidos, donde elWashington Post llamó "bailarina Katherine Magno". Durante casi treinta años se mantuvo la Katherine Dunham Dance Company , el único autoportante compañía estadounidense baile negro en ese momento, y durante su larga carrera coreografiado más de noventa bailes individuales. [ 2 ] Dunham fue un innovador en los afro-americana moderna bailar , así como un líder en el campo de la antropología danza , o ethnochoreology .Katherine Dunham María nació en junio de 1909 en un hospital de Chicago y se toma como un bebé a casa de sus padres en Glen Ellyn, Illinois, un pueblo a unos quince kilómetros al oeste de Chicago. Su padre, Albert Millard Dunham, era descendiente de esclavos procedentes de África occidental y Madagascar . Su madre, Fanny junio Dunham (née Taylor), que era de mixto franco-canadiense herencia americana y nativa, murió cuando Katherine tenía cuatro años de edad.Después de segundas nupcias de su padre unos años más tarde, la familia se mudó a un barrio predominantemente negro en Joliet, Illinois, donde el Sr. Dunham tenía un negocio de limpieza en seco.
Katherine se interesó tanto en la escritura y la danza desde muy joven, mostrando talento en ambos campos. En la escuela secundaria se unió al Club de Terpsichorean y comenzó a aprender una especie de danza moderna basada en las ideas de Jaques-Dalcroze y Rudolf von Laban. A la edad de 15, ella organizó el Café Luna Azul, un cabaret de recaudación de fondos para la Iglesia Metodista de Brown en Joliet, donde dio su primera actuación en público. Cuando todavía era un estudiante de secundaria, abrió una escuela de danza privada para niños pequeños negros.l terminar sus estudios en Joliet Junior College, Katharine Dunham se trasladó a Chicago para reunirse con su hermano Albert, quien asistía a la Universidad de Chicago como estudiante de filosofía. En una conferencia a cargo de Robert Redfield , profesor de antropología, se enteró de que gran parte de la cultura negro en la América moderna había comenzado en África. Ella consiguiente, decidió especializarse en antropología y centrarse en los bailes de la diáspora africana. Además Redfield, estudió con algunos de los grandes antropólogos de la época, incluyendo AR Radcliffe-Brown , Edward Sapir y Malinowski Bronislaw . Bajo su tutela, mostró una gran promesa en sus estudios etnográficos de la danza.
En 1935, Dunham se adjudicó becas de viaje desde el Julius Rosenwald y las fundaciones Guggenheim para realizar un estudio etnográfico de las formas de danza del Caribe, especialmente como se manifiesta en el vudú de Haití, un camino seguido también por sus compañeros de antropología estudiante Zora Neale Hurston .También recibió una beca para trabajar con el profesor Melville Herskovits de la Universidad de Northwestern , cuyas ideas de retención africano serviría como plataforma para la investigación en el Caribe. Herskovits le proporcionó información muy valiosa en la preparación de su viaje.
Su estancia en el Caribe comenzó en Jamaica , donde se fue a vivir varios meses en la remota aldea de los cimarrones de Accompong, en lo profundo de las montañas de Cockpit Country . (Más tarde escribió un libro, Viaje al Accompong, describiendo sus experiencias allí.) Luego viajó a Martinica y Trinidad y Tobagopara estancias cortas, sobre todo para hacer una investigación de Shango , el dios africano que mantuvo una importante presencia en el oeste de herencia indígena.A principios de 1936 llegó por fin en Haití , donde permaneció por varios meses, la primera de sus muchas estancias prolongadas en ese país durante el resto de su vida.
Durante su estancia en Haití, Dunham investigado Vodun rituales e hizo extensas notas sobre su investigación, en particular sobre los movimientos de baile de los participantes. Años más tarde, después de extensos estudios e iniciaciones, se convirtió en un mambo (sacerdotisa) de la religión vudú. También se hizo amigo de, entre otros, Dumarsais Estimé , entonces un político de alto nivel, que se convirtió en presidente de Haití en 1949. Un poco más tarde, ella le ayudó, en riesgo considerable para la vida, cuando fue perseguido por sus políticas progresistas y enviado al exilio en Jamaica después de un golpe de Estado.

Dunham volvió a Chicago a finales de primavera de 1936 y en agosto fue galardonado con un título de licenciatura, una Ph.B. (Licenciatura en filosofía), con su principal área de estudio nombrado como "antropología social". En 1938, el uso de materiales recogidos durante su gira de investigación del Caribe, Dunham presentado una tesis "Las Danzas de Haití: Un estudio de su aspecto material, la, forma y función", en el Departamento de Antropología de la Universidad de Chicago en cumplimiento parcial de los requisitos para el grado de maestría, pero nunca terminó su trabajo de curso o tomaron exámenes para calificar para el grado. Dedicado a bailar rendimiento, así como para la investigación antropológica, se dio cuenta de que tenía que elegir entre ellos. Aunque se le ofreció otra beca de la Fundación Rockefeller para seguir sus estudios académicos, eligió la danza, abandonó sus estudios de posgrado, y partió hacia las brillantes luces de Broadway y Hollywood . En 1928, cuando todavía era un estudiante Dunham, comenzó a estudiar ballet con Ludmilla Speranzeva, una bailarina rusa que se había instalado en Chicago, después de haber llegado a los Estados Unidos con la compañía de vodevil franco-ruso Le Théâtre de la Chauve-Souris dirigida por el empresario Nikita Balieff.También estudió ballet con Mark Turbyfill y Ruth Page , quien se convirtió en primera bailarina de la Ópera de Chicago . A través de sus maestros de ballet, ella también fue expuesto a españoles, India oriental, el javanés, y las formas de danza balinesa. En 1931, cuando tenía sólo 21 años, Dunham formaron un grupo llamado Ballets Nègres, una de las primeras compañías de ballet negros en los Estados Unidos. Después de un solo bien recibido desempeño en 1931, el grupo se disolvió. Animado por Speranzeva para centrarse en la danza moderna en lugar de ballet, Dunham abrió su primera escuela de baile real en 1933. Llamado el Grupo de Danzas Negro, era un lugar para enseñar a Dunham jóvenes bailarines negros sobre su herencia africana.
En 1934-36 Dunham actuado como artista invitada en la compañía de ballet de la Ópera de Chicago. Ruth Page había escrito un guión y coreografía de La Guiablesse ("The Devil Woman"), basada en un cuento popular en Martinica Lafcadio Hearne de dos años en las Antillas francesas . Se abrió en Chicago en 1933, con un elenco negro y con Página bailando el papel protagonista. Al año siguiente se repitió con Katherine Dunham en la delantera y con estudiantes de Dunham Grupo de Danza Negro en el conjunto. Su carrera de baile fue interrumpido luego por la investigación antropológica en el Caribe.
Después de haber completado su trabajo de grado en la Universidad de Chicago y de haber tomado la decisión de seguir una carrera como bailarín y coreógrafo en lugar de como un académico, Dunham revivió su grupo de danza y en 1937 viajaron con ellos a Nueva York para participar en "Una Negro baile por la noche ", organizado por Edna Guy en el YMHA la calle 92. El grupo realizó una serie de bailes antillanos en la primera mitad del programa y un ballet titulado Death Tropic , con Talley Beatty, en la segunda mitad. Al regresar a Chicago, la compañía realizó en el Teatro Goodman y en el Centro de Abraham Lincoln. Conocido Dunham obras Rara Tonga y la mujer con un cigarro se crearon en este momento. Con coreografía caracterizada por la sexualidad exótica, ambos se convirtieron en obras de autor en el repertorio Dunham. Después de exitosas presentaciones de su empresa, Dunham fue nombrado director de la Unidad de baile Chicago Negro Teatro del Proyecto de Teatro Federal. En este post, coreografió la producción de Chicago Run Li'l Chil'lun , realizado en el Teatro Goodman, y produjo varias otras obras de coreografía incluyendo The Emperor Jones y Barrelhouse .
En este momento Dunham primero se asoció con el diseñador John Pratt, quien después se casó. Juntos, produjeron la primera versión de su baile composiciónAg'Ya L' , que se estrenó el 27 de enero de 1938, como parte del Proyecto de Teatro Federal en Chicago. Sobre la base de su investigación en Martinica, estos elementos de rendimiento de tres partes integrales de un baile en la lucha Martinica ballet estadounidense para lograr un alto grado de sincretismo. Esta mezcla de culturas también apareció en la forma en que Dunham hábilmente y con el estilo empleado técnicas coreográficas que evocan imágenes de Afro-Caribe costumbres y el arte.
En 1939, la compañía de Dunham dio más actuaciones en Chicago y Cincinnati, y luego regresó a Nueva York, donde Dunham había sido invitado a organizar un nuevo número para los populares, de larga duración revista musical Pins and Needles 1940 , producidas por las señoras internacionales ' trabajadores de la confección Unión . En este espectáculo continuó su carrera en el Teatro Windsor, Dunham reservado su propia compañía en el teatro para una actuación el domingo. Este concierto, considerado como el Trópico y Le Jazz Hot , incluía no sólo su favorito socios Archie Savage y Talley Beatty pero su baterista principal de Haití, Papa Augustin. Inicialmente previsto para una sola actuación, el espectáculo era tan popular que la compañía se repite para otros diez domingos.
Este éxito llevó a toda la compañía se dedica a la producción de Broadway Cabin in the Sky , organizado por George Balanchine y protagonizada por Ethel Waters .Con Dunham en el papel de seductora sensual Georgia Brown, el programa continuó durante veinte semanas en Nueva York antes de mudarse a la Costa Oeste para una extensa temporada de actuaciones allí. El espectáculo creado una pequeña controversia en la prensa sobre si los números de baile con artistas tórridas desnudo y desnudo midriffed torsoed-representados "arte" o "sex appeal". La mayoría de los críticos lo llamaron un empate.
Después de la gira nacional de Cabin in the Sky , la compañía de Dunham se quedó en Los Angeles , donde apareció en la película de Warner Brothers cortoCarnival of Rhythm (1941). Al año siguiente Dunham apareció en la película de Paramount musical Star Spangled Rhythm (1942) en una serie de especialidades, "afilado como una tachuela", con Eddie "Rochester" Anderson. Otras películas que aparecieron durante este período incluyeron el Abbott y Costello comedia Pardon My Sarong (1942) y el famoso gran avance musical negro Stormy Weather (1943). [ 6 ]
Más tarde ese mismo año, regresó a Nueva York, y en septiembre de 1943, bajo la dirección del reconocido empresario Sol Hurok , su compañía abrió sus puertas en revisión Tropical en el Teatro Martin Beck. Con viva de América Latina y el Caribe danzas, bailes de plantación, y American bailes sociales, el show fue un éxito inmediato. El original de dos semanas compromiso se extendió por la demanda popular en un plazo de tres meses, después de lo cual la compañía se embarcó en una extensa gira por los Estados Unidos y Canadá. En Boston, el bastión del conservadurismo, el espectáculo fue suspendido en 1944 después de sólo una actuación. A pesar de que fue bien recibido por el público, los censores locales temían que los reveladores trajes y bailes provocativos podría comprometer la moral pública. Después de la gira, en 1945, la compañía Dunham apareció en la efímera Holiday Azul en el Teatro Belasco de Nueva York y en la más exitosa canción caribe en el Teatro Adelphi. El final del primer acto de este espectáculo fue Shango , una interpretación en escena de un ritual vudú que se convertiría en una parte permanente del repertorio de la compañía.
En 1946, Dunham volvió a Broadway para una revista titulada Bal Nègre , que recibió avisos brillantes del teatro y de la crítica de danza. A principios de 1947 Dunham coreografía de la obra musical Ciudad de los Vientos , que se estrenó en el Gran Teatro del Norte en Chicago, y más tarde en el año en que abrió un espectáculo de cabaret en Las Vegas, marcando el primer año en que la ciudad se convirtió en un destino de entretenimiento popular. Más tarde ese año fue con su grupo a México, donde sus actuaciones fueron tan populares que se mantuvo durante más de dos meses. Después de México, Dunham comenzó a viajar a Europa, donde fue una sensación inmediata. En 1948 abrió una rapsodia Caribe por primera vez en el Prince of Wales Theatre de Londres, luego barrieron a el Théâtre des Champs-Élysées en París, donde la empresa tomaron la ciudad por asalto. Ella y sus bailarines fueron tratados como miembros de la jet set , mezclándose con nobleza y celebridades como el famoso actor francés Maurice Chevalier .
Este fue el comienzo de más de veinte años de realizar casi exclusivamente fuera de los Estados Unidos. Durante estos años, la compañía Dunham apareció en algunos países treinta y tres en Europa, África del Norte, América del Sur, Australia, y Asia oriental. Dunham siguió desarrollando docenas de nuevas producciones durante este período, y la compañía se reunió con un público entusiasta dondequiera que fueran. A pesar de estos éxitos, la compañía funcionó con frecuencia en períodos de dificultades financieras, como Dunham tenía la obligación de apoyar a todos los treinta-cuarenta bailarines y músicos.
En 1948, Dunham y su compañía apareció en la película de Hollywood Casbah, con Tony Martin, Yvonne de Carlo, y Peter Lorre, y en la película italiana Botta e Risposta , producida por Dino de Laurentiis.También ese año se presentaron en la primera hora de duración espectacular americano televisado por NBC cuando la televisión fue la primera comienza a extenderse a través de América. Esto fue seguido por espectáculos de televisión filmado en Londres, Buenos Aires, Toronto, Sydney y Ciudad de México.
En 1950, Sol Hurok presentado Katherine Dunham y su compañía en una revista de danza en el Teatro Broadway, en Nueva York, con un programa compuesto por algunas de las mejores obras Dunham. Se cerró después de sólo treinta y ocho actuaciones, y la compañía poco después se embarcó en una gira de lugares en América del Sur, Europa y África del Norte. Tuvieron particular éxito en Dinamarca y Francia. En mediados de 1950, Dunham y su compañía apareció en tres películas: Mambo (1954), hecho en Italia, Die Grosse Starparade (1954), hecho en Alemania, y Música en la Noche (1955), realizado en la Ciudad de México.
Giras internacionales de la compañía de Dunham terminó en Viena en 1960, cuando fue atrapado sin dinero a causa de una mala gestión por su empresario. Dunham salvó la situación mediante la organización de la empresa para aparecer en una televisión alemana especial, Karaibishe Rhythmen , tras lo cual regresó a Estados Unidos. Dunham última aparición en Broadway fue en 1962 en Bamboche!, que incluía bailarines algunos ex Dunham en el reparto y un contingente de bailarines y dummers de la Compañía de Real de Marruecos. No fue un éxito, cerrando después de sólo ocho actuaciones.
Un punto culminante de la carrera después de Dunham fue la invitación de la New York Metropolitan Opera a bailes escenario para una nueva producción de Aida protagonizada por Leontyne Price. Así, en 1963, se convirtió en el primer afro-americano en la coreografía para el Met desde Hemsley Winfield establecer los bailes para The Emperor Jones en 1933. Los críticos reconocieron la investigación histórica que hizo sobre la danza en el antiguo Egipto, pero no en particular cuidado para que los resultados se vieron en el escenario Met. [ 7 ] Posteriormente, Dunham emprendió diversas comisiones coreográficas en varios lugares en los Estados Unidos y en Europa. En 1967 se retiró oficialmente, después de presentar un último concierto en el famoso Teatro Apollo en Harlem, Nueva York . Incluso en el retiro Dunham continuó choreograph: una de sus principales obras estaba dirigiendo Scott Joplin 's ópera Treemonisha en 1972 en el Colegio Morehouse en Atlanta.
En 1978 Dunham fue ofrecido en la PBS especial, tambores divinos: Katherine Dunham y su gente , narrado por James Earl Jones , como parte de la danza en Estados Unidos . serie Alvin Ailey más tarde produjo un homenaje para ella en 1987-8 Katherine Dunham murió mientras dormía en New York City de la vejez el 21 de mayo de 2006, a los noventa y seis años. Durante varios años, asistente personal de Dunham y promotor prensa era Maya Deren , quien más tarde también se interesaron en vudú y escribió El jinete divino: Los dioses del vudú de Haití (1953). Deren es ahora considerado como un pionero del cine independiente americano. Dunham se participó en voz baja, tanto en el vudú y orisha comunidades del Caribe y los Estados Unidos, en particular con elLucumi tradición     DESCARGAR. Compralo en CD Original sello Caney  AQUI DESCARGAR  otro servidor

UN CANTO ALEGRE CHECO ACOSTA

Alcibiades Antonio Acosta Agudelo (Soledad, Atlántico, 14 de junio de 1965) es un cantante colombiano de música folclórica costeña.Checo es el hijo de Alci Acosta. Desde los siete años fue bautizado con el nombre artístico de Checo, por el gusto hacia el fútbol y su padre lo comparaba con un “futbolista checoslovaco”. Desde niño cantaba baladas en festivales infantiles. Quería ser baladista o bolerista, pero el destino lo llevó a la música tropical.Pasó por las Orquestas de Joe Arroyo, La Renovación, Adolfo Echeverría, Juan Piña, Grupo Star de Medellín y Joseíto Martinez. Hasta que en 1987 graba al lado de Hugo Molinares su primera producción, el álbum “Conjunto Calisón” donde pega temas como Mi pequeña Nataly, La Montaña y Morenita Caribeña. Luego de estos éxitos decide formar su propia orquesta debutando en Barranquilla en 1988.
Después vinieron éxitos como “Llorarás, Llorarás”, “Lo quiere el negro”, “Te quiero” Homenaje a Héctor Lavoe, Tracionera (cantando a dúo con su padre), Checocumbias con el cual empezó a figurar a nivel internacional, Checomania, La cucharra, Cinturita, Maestranza Nº 2, el Chempale, Carnavalero, “A Son Palenque”, “El Quererén”. Y los más recientes como: Sobate el Coco, Me rasca el gallo y el Guacamayo que pertenecen a su álbum Checazos de carnaval 3 nominado en la categoría Cumbia vallenato en la entrega de los Grammy Latinos realizada en 2007 en Las Vegas, Nevada.
A mediados de 2007, Checo retoma el género de la salsa con la producción "Checo en su salsa", donde se destaca el éxito El Amor. A finales de 2008 lanza su producción Un canto alegre, un DVD grabado en vivo que recopila los grandes éxitos a lo largo de sus 20 años de carrera musical.
Checo Acosta ha realizado giras a los Estados Unidos, que incluyen presentaciones en el Madison Square Garden de Nueva York y en el Miami Arena. También se ha presentado en países como España,Venezuela, Ecuador, Canadá, Costa Rica, Chile y Panamá.
Checo toca de forma empírica instrumentos como el piano, la guitarra, el timbal, el guache, el güiro, la conga y el bongó.Checo Acosta de la tierra donde se fabrican las butifarras de mejor calidad en el mundo , con un talento caribeño inigualable e insuperable es hoy en dia el mejor expositor del folklor caribeño lo presentamos en EDGAR MUSIC , como el mejor cantante de musica caribeña, folklorica de colombia y cantando en vivo el mejor espectaculo de la madre tierra! aqui tienes al hijo de Ruth!! 
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LES COEURS BRISES DYNASTIE

Soukous (también conocido como lingala y Congo ) es una música de baile [ 1 ] género musical que se originó en los dos países vecinos del Congo Belga yCongo Francés durante la década de 1930 y principios de 1940, y que ha ganado popularidad en toda África. "Soukous" (un derivado de la palabra francesasecousse , "sacudir" [ 2 ] ) fue originalmente el nombre de un baile popular en los Congos a finales de 1960, una versión africana de la rumba . Aunque el género fue inicialmente conocido como rumba (a veces denominado específicamente como rumba africana), el término "soukous" ha llegado a referirse a los afro rumba y sus desarrollos posteriores.
oukous se llama música Congo en África occidental, y lingala en Kenia , Uganda y Tanzania - refiriéndose al idioma lingala de la región de donde es originaria.En Zambia y Zimbabwe, donde la música congoleña es también influyente, lo que normalmente se conoce como Rumba. En la década de 1980 y principios de 1990, un estilo rápido de soukous conocido como kwassa kwassa - el nombre de un baile popular, era popular. Un estilo llamado ndombolo , también el nombre de un baile, es actualmente popular. Soukous también mezcla estilos de zouk música DESCARGAR.

BONGA PAZ EM ANGOLA

Bonga Kwenda es uno de los mejores vocalistas de Angola. Está dotado de las cualidades carismáticas y el atractivo vocal necesario para cualquier cantante de alcanzar no sólo la popularidad, pero la grandeza. Su entrega ronca, rugiente, de manera segura y sonido agresivo surgen en cada corte que figuran en este disco a finales de los 80. Él está cantando en el angoleño "merengue" estilo, que mezcla aspectos de la música afro-latina y africana. Nombre Bonga Kwenda se une a la larga lista de cantantes de primer nivel africanos empiezan a ganar notoriedad más allá del continente. ~ Ron Wynn
Bonga Kwenda (nacido José Adelino Barceló de Carvalho , 1943), más conocido como Bonga , es un popular y semba cantante y compositor de Angola .[ 1 ] Bonga nació en la provincia de Bengo , Angola y dejó a los 23 años para convertirse en un atleta , convirtiéndose en el plusmarquista portuguesa para los 400 metros (Angola fue en su momento uno de los cinco colonias africanas de Portugal ). Había comenzado su carrera como cantante a los 15 años.
Bonga abandonó el atletismo en 1972, concentrándose exclusivamente en su música, y de inmediato se hizo famoso en su país natal, Angola, así como enPortugal . Después de la Revolución de los Claveles en abril de 1974, se convertiría en un éxito tanto con los inmigrantes de las ex colonias portuguesas-, y el portugués de origen africano y europeo. Ha publicado más de 30 álbumes, cantando en portugués idiomas angoleños y tradicional. Sus canciones son una mezcla de sonidos folclóricos portugueses, semba , kizomba y latino elementos.
Mientras que Angola era todavía un portugués colonia , Bonga fue un abierto partidario de la independencia. Esto lo llevó a ser desterrado de Angola en la década de 1970.
En este momento, Portugal fue gobernado por el conservador y autoritario del Estado Novo gobierno régimen, fundado por Salazar . Estado de Bonga como una estrella del deporte portugués le permitió la libertad de movimiento raro, que él utilizó para llevar mensajes entre exiliados combatientes independentistas africanos y compatriotas todavía en Angola. A medida que el movimiento por la independencia calentado, Bonga se vio obligado a exiliarse en Rotterdam , donde, en 1972, grabó su primer disco, Angola 72 y adoptó el nombre de Bonga Kwenda. Una orden de arresto fue emitida en Angola por las letras del álbum sediciosos, lo que le obligó a moverse nómada entre Alemania, Bélgica y Francia hasta la independencia de Angola de Portugal en 1975, provocada por los acontecimientos de la Revolución de los Claveles. Mientras que en Europa, Bonga conoció a otros músicos de habla portuguesa y adaptado los sonidos de la samba a su estilo musical ya diversos.
Después de la independencia, el nuevo gobierno de Angola tomó lo mejor de Angola actos en solitario y fundó y apoyó una orquesta llamada "Semba Tropical". El objetivo era revivir la industria de la música perdida, tal como se describe por una República Popular de Angola portavoz del ministerio durante la gira de la banda en Europa a mediados de la década de 1980: "Hemos tenido grandes problemas debido a la guerra por la independencia Cuando los portugueses se fueron desmanteladas. parte de la estructura básica rompiendo y sabotear el equipo y tuvimos que empezar de cero. Después de la independencia no había bandas en absoluto. Las que se formaron no eran activas porque no tenían instrumentos ". En verdad bueno, el nuevo país independiente, con infrastruture bueno para los estándares africanos a la independencia, y bendecido con abundantes recursos naturales, de hecho fue manejado muy mal y plagado por la corrupción, no la planificación central y el conflicto armado multiétnica desde hace varias décadas después de la independencia de Portugal . [ 2 ]
Después de la independencia de Angola Bonga estableció su residencia principal en Lisboa , y vivió durante algún tiempo en París y Angola. Como post-colonial vida en Angola se desintegró en la corrupción, la miseria, la brutalidad, y una guerra civil interminable y sangrienta , Bonga sigue siendo crítica de los líderes políticos de todos los bandos. Bonga voz de paz y de conciencia sigue haciendo de él un héroe para el pueblo de Angola no importa donde resida. Él sigue siendo ferozmente dedicado al ideal de la no violencia, afirma simplemente: "Hay que vivir sin hacer daño a otros.". DESCARGAR

ORQUESTA LA GRAN SUBLIME - QUE VIVA LA PACHANGA

Eran los finales de la década del 50. En pleno auge del chachachá, género cantable y bailable, creado por el maestro Enrique Jorrín, la música cubana alternaba el gusto nacional con una orgía de tangos, pasodobles, corridos y rock’n roll. Y con el chachachá llegó un nuevo sonido, el de la Orquesta Sublime.
Tres cadenciosos arrastres de suela, se habían apoderado de todos los estímulos cotidianos. Poco a poco, La Habana se convertía en el melting-pot del Continente.
La Sublime ha sido en la historia de la música popular y bailable cubana una de las orquestas que más rapidamente ascendió en el gusto del público bailador. Su debut se produce en 1956, año en que graban sus primeros LD en Sabor de Cuba y Rico Chachacha que los convierten en artistas exclusivos del sello Panart. Fueron en particular, dos obras las que la hicieron sonar en grande:» Los carteros» y» Los peleteros». Luego vendrían «Unión Cienfueguera» y «El escrupuloso», entre otros que han sido recopilados en el CD» A la pachanga con la Sublime», editado por Bis Music en 1994.
En 1959, la crítica cubana, por unanimidad, la proclama La Pachanguera de Cuba, inspiradas por las presentaciones del locutor Humberto Santaló de Radio Salas, luego del lanzamiento de La Pachanga, creación del cubano Eduardo Davidson Cuba, con orquestación del maestro Richard Egües (entonces flautista de la Orquesta Aragón).
El tema La Pachanga ha paseado varias de las grandes discotecas y escenarios del mundo. Su estreno se produjo en el Salón Rosado de la Tropical, hoy por hoy uno de los grandes termómetros de Cuba y América, en cuanto a la música popular bailable.
Un año más tarde, la agrupación lanza su LD El divertido que alcanza primeros lugares en Venezuela a través de las ondas de Radio Continente, cinco de las obras contenidas aquí, consideradas clásicas en el repertorio de esta orquesta, fueron incluídas en el DC A la pachanga con la Sublime.
Al inicio de los años 60s, sus éxitos llegan a Norteamérica, vía Miami, Cayo Hueso y Nueva York, Centro y Sudamérica, hasta conquistar Europa vía España, Francia e Italia, Costa de Marfil en África y Japón.
La Sublime ha recibido múltiples distinciones, pero en particular se distinguen: el Disco de Oro que se le otorgó en La Habana por el conjunto de toda su obra y los índices de venta en África y Europa con mayores preferencias en Costa de Marfil y Francia.
Los antecedentes de La Sublime pueden encontrarse en orquestas como Arcano y sus Maravillas, La Charanga Show del flautista José Antonio Fajardo, la orquesta del pianista Neno González, Melodías del 40, La Aragón, y la Sensación.
Muchas han sido las figuras de renombre que han actuado junto a La Sublime, Paulina Álvarez, Barbarito Diez, Evelio Rodríguez, Elena Burke y el gran Benny Moré, por sólo citar salgunos.
Los modismos musicales impuestos por La Sublime, como son los chachachá floreados brillantemente por la flauta de Melquíades Fundora, el machuquillo característico de los primeros pianistas del género, los solos del timbal, el rayao del güiro y los unísonos de las voces de los cantantes, caracterizan hasta hoy sus sonoridades.
Para esta orquesta el chachachá sigue siendo su espina dorsal, combinándolo con elementos de rumba, sones, danzones, mambo, yambú, guarachas, pachangas, plenas, mozambiques y boleros.

En su trabajo musical hay experimentos interesantes como el bolero-chá. Importancia, un «invento» de su pianista y orquestador Rolando Fundora, que fusiona dos hermosos boleros de René Touzet y Mario Fernández Porta, «No te importe saber»y «Qué me importa» más un estribillo inspirado en el danzón Constancia de Enrique Jorrín cantado por Iluminada Zequeira, cantante muy versátil bautizada como «La maravilla de Ébano».
» …pero olvidemos al vulgo
que al fin no tiene Importancia
bailemos con La Sublime
hasta que se acabe el mundo…»
El danzón Angoa (dedicado al bailador Ricardo Benedit Varela, muy amigo de su autor Félix Reina) recibió una versión de La Sublime escrita por Marcos Perdomo, Felipe Sardinas y Rolando Fundora cantada en tiempo de chachachá. Es entonces cuando este rico danzón recibe un nuevo impulso y se mantiene hasta entre los favoritos del género:
«… que feliz te ves bailando, Angoa
con La Sublime tocando, Angoa…»
La obra Seis perlas cubanas, especie de réplica del inmortal danzón Tres lindas cubanas, original de Guillermo Castillo y Antonio Maria Romeu, donde la compositora Julia Pérez rinde homenaje a las provincias cubanas:«…Seis, seis, perlas cubanas
Pinar del Río, La Habana,
Matanzas y Santa Clara,
Tú ves,
Cuando llego a Camagüey
Oriente me llama…»
También sobresalen los popurrits, recuerdos de sones o los instrumentales, que mezclan los ritmos y el sabor de la charanga, con un concepto jazzístico de la improvisación.
Es difícil en pocas palabras sintetizar la historia de una charanga auténtica que ha sobrevivido con su formato, dentro del sonido Heavy Metal, las computadoras, el apogeo musical de la Salsa y el New Age. De modo que lo mejor es escucharla y dejar que su criollo sonido penetre en los oídos con su inconfundible sabor.
Desde 1956 La Sublime ha marcado pautas en la música popular bailable alcanzando el Premio de la Popularidad en Venezuela en 1962, un Disco de Oro en Africa en 1994, una Prenominación al Grammy Latino 2001 por su Album Sublime Habana y el diploma Nicolás Guillén , máxima distinción de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba.
En el 2002, se edita por la EGREM el CD»Dulce Ternura» que recoge una antología y seguro pasará a la histórica como testimonio de lo que millones de admiradores quieren seguir escuchando.
La pachanguera de Cuba: La Sublime
«…cuando tu sientas rico chachachá
es La Sublime que invita a bailar… «  DESCARGAR

AT THE PARTY WITH HECTOR RIVERA

El maestro Héctor Rivera nació en el año de 1933 en el Harlem Hispano, sin embargo en las notas de su primer LP como director y arreglista Rivera Lets cha cha cha, se presenta que nació en el condado de Manhattan. Héctor Rivera se inició como pianista en la banda Rumba de el señor José Rodríguez, enamorado de la música latina se matriculó en la Academia Músical Lecompte en la ciudad de Nueva York y estudió bajo la supervisión del profesor Luís Verona. Sus primeras composiciones y arreglos musicales los experimentó con la famosa orquesta del maestro Elmo García. El sello Mercury le encargo un úlbum con ritmos cha cha cha, y lo realizó en el año de 1957, se considera este úlbum el primero como director de orquesta, ya que llevó a cabo todos los arreglos musicales, además la mayoría de los números son de su autoría a excepción de Estancy que es de Johnny Coquest. La banda la reunió con los músicos de Machito. Fue en la primavera de 1952 que Héctor decidió formar su primer proyecto musical, para incorporarse dentro de la liga de los líderes de bandas latinos, la llamó para aquel momento "Los Tubos del Mambo", con este proyecto trabajó en el famoso Palladium de Nueva York. No obstante Héctor recibió una carta del presidente de los EE.UU., que lo invitaba a enlistarse en las filas del ejército de este país. Él se vinculó a la armada y participó en la Guerra de Corea, luego de la guerra, su tropa fue enviada a la isla de Guam, allí se le asignó un trabajo especial para los reclutas y consistió en producir los arreglos y las composiciones de un show que mostrara la historia del mambo..

At the party with Hector Rivera es mi disco favorito de eso que a mediados de los 60 se llamóLatin Soul, y uno de los mejores exponentes de lo que pretendió ser ese cálido híbrido musical, especie de cóctel explosivo entre el soul, el mambo, el cha cha chá, la salsa y el jazz latino, que cuando conseguía acertar con la mezcla adecuada resultaba tan exuberante e irresistible. Soul aderezado con percusiones latinas, congas, bongos, vientos abrasivos, y ritmos sinuosos que te harán palpitar con excitación. Y es que en este disco Hector Rivera consiguió la mezcla ideal para ese cóctel llamado Latin Soul, introduciendo sobre unos ritmos de irrefutable sabor latino a cargo de su exuberante orquesta, una poderosa interpretación vocal de indudable ascendente soul a cargo de unexcelente, poderoso y temperamental vocalista llamado David Coleman, a quien Ben E King, su colega del Spanish Harlem apodaba Little Boo Boo.
Hector Rivera en aquellos años era un reputado teclista, arreglista y compositor que había labrado su carrera musical al lado de nombres tan importantes de la música latina de origen cubano como Ray Barreto, Joe Cuba y Tito Puente, maestros del jazz latino y el boogaloo, aunque quizás este At the party estaba más influenciado por las sapiencias sonoras cercanas al boogaloo que Hector Rivera había desarrollado trabajando con la orquesta de Joe Cuba, meses antes de la edición de este disco. Un disco que parece la banda sonora ideal de una bulliciosa fiesta donde se suceden con sapiencia los momentos de frenesí y entusiamo bailón, junto a episodios más tiernos e intimistas de arrebatadora emoción.At the party el tema que da título al disco y que lo abre, es un impetuoso ejercicio de diversión sonora que se convirtió en todo un clásico, y en su mayor éxito, llegando hasta el puesto número 26 en las listas de R&B americanas y permaneciendo 8 semanas en el top 100. Vientos, palmas, y bullicio fiestero para una irresistible invitación al baile, que combina un constante ritmo saborosón con vivaces y souleros vientos, que se mantienen y multiplican en ese bacilón Shing-A-Ling Baby, más poderoso soul a caballo de ritmos latinos con una vibrante interpretación vocal a cargo de David Coleman. Pero aunque estos temas son buenos, muy buenos, el mejor soul latino del disco llegará con Got to Make up your mind, Drown my heart y la versión del clásico My Foolish heart, maravillosos medios tiempos donde el soul lo ponen la poderosa y emocionante voz de David Coleman y lo latino el maravilloso acompañamiento de la orquesta de Héctor Rivera con esos preciosos vientos y esa percusión tan acertada. Luego en el disco encontramos más temas festivos, donde incluso hayamos ciertos aspectos jamaicanos, como en ese irresistible instrumental titulado Calypso, o temas de pegajoso boogaloo como ese otro fantástico Do it to me.
Y como regalo final, en la reedición del sello Beat Goes Public, que es la que tengo, encontramos el otro gran clásico de emocionante Latin soul de Hector Rivera, el espléndido Iwant a chance for a romance que te pondrá la piel de gallina, esta vez con la insuperable interpretación vocal de soul man Ray Pollard. Sin duda una de las mejores manera que tenéis de acercaros al Latin Soul es a través de este fantástico disco.

 El maestro Héctor Rivera nació el 26 de enero,  del año de 1933 en el Harlem Hispano, sin embargo en las notas de su primer LP como director y arreglista “Rivera Let’s cha cha cha”, se presenta que nació en el condado de Manhattan. El Sr. Rivera se inició como pianista en la banda Rumba de el señor José Rodríguez, enamorado de la música latina  se matriculó en la Academia Músical Lecompte en la ciudad de Nueva York y estudió bajo la supervisión del profesor Luís Verona. Sus primeras composiciones y arreglos musicales los experimentó con la famosa orquesta del maestro Elmo García.  El sello Mercury le encargo un LP con ritmos cha cha cha, y lo realizó en el año de 1957, se considera este LP el primero como director de orquesta, ya que llevó a cabo todos los arreglos musicales, además la mayoría de los números son de su autoría a excepción de Estancy que es de Johnny Coquest. La banda la reunió con los músicos de Machito.

 Fue en la primavera de 1952 que Héctor decidió formar su primer proyecto musical, para incorporarse dentro de la liga de los líderes de bandas latinos, la llamó para aquel momento "Los Tubos del Mambo", con este proyecto trabajó en el famoso Palladium de Nueva York.  No obstante Héctor Rivera recibió una carta del presidente de los EE.UU., que lo invitaba a enlistarse en las filas del ejército de este país.  Él se vinculó a la armada y participó en la Guerra de Corea, luego de la guerra, su tropa fue enviada a la isla de Guam, allí se le asignó un trabajo especial para los reclutas y consistió en producir los arreglos y las composiciones de un show que mostrara la historia del mambo.

Después de recibir su licencia del servicio militar en el año de 1955, Héctor amplió su carrera musical estudiando arreglos y composiciones modernas con el celebre profesor Gil Fuller, quien fuera el arreglista de las bandas de Stan Kenton, Dizy Gillespie y Machito.  El maestro Rivera ejecutó el piano en varias orquestas como la del judío americano Alfredito Levy, con Moncho Leña “el Rey de la Plena”, Mon Rivera“el Rey del Tragalengua”, Arsenio Rodríguez, Vicentico Valdés, Ray Barretto, Johnny Pacheco, Kako, el Sexteto de Joe Cuba y La Lupe. Corría el año de 1966 – para el reinado del boogaloo - cuando compuso la  famosa tonada “At the Party”, la cual fue colocada en varias emisoras de toda la América Latina, ocupando los primeros lugares en las lista de éxitos de Colombia, Venezuela, Perú, Panamá, Ecuador, Curazao, Aruba, Jamaica y en los estados de Nueva York, Nueva Jersey y probablemente Chicago. Rivera dividió su carrera entre los instrumentos y las voces — él empleó a varios cantantes, pero David Coleman fue su preferido en muchos álbumes, en especial en At the Party.

Rivera grabó cerca de ocho álbumes como director de orquesta entre 1957 y 1974, lamentablemente, este ingenioso compositor, arreglista y maestro del piano, sobrecargado y desagradado por el control monopolístico que generó la entrada de la Salsa en la escena de la ciudad de Nueva York, para comienzo de los años 70’s, eventualmente se retira del ambiente musical.  John Child aporta que “sus últimos dos LP fueron “Para mi gente” en 1973 y “Lo máximo” en 1974 (Descarga, 28 – 05 – 2005).

Lamentablemente el maestro Héctor Rivera falleció en la mañana del  8 de enero de 2006 — convirtiéndose en la primera baja sensible de este nuevo año — ,en un Hospital del Bronx, en NYC, aquejado del mal de Parkinson, lo que es una verdadera lastima de un pianista que aportó mucho a nuestra música   DESCARGARA finales de los años sesenta, cuando el boogaloo estaba provocando gran entusiasmo, el numero de Rivera “At The Party” logró llegar a los primeros 40 en las listas musicales. El se oponía a describir al ritmo como boogaloo; prefería que se le llamase “latin soul”, con lo que otro ritmo terminó incorporándose a la familia de música latina. El LP de At The Party también contiene la versión de Rivera de “Asia Minor”, la cual definitivamente fue una de las mejores grabaciones del año. Sí había alguna duda de que es lo que era el Latin Soul, el disco de 1969 para el sello Four Points llamado Hector Mania definitivamente brindaba una definición. Dick Sugar era el unico DJ que lo tocaba regularmente. Aun así, los programas de R&B y jazz le dieron una exposición muy merecida. Rivera hizo otras cosas grandes para United Artists y Tico Records. Su imaginación también le ha añadido mucho a las grabaciones salseras posteriores. De todas, ninguna puede compararse con su composición y arreglo de “Bobby: Bajo y Clarinete” para el álbum de 1977 de las Alegre All Star llamado Perdido. Escúchelo bien y entenderá porque los lideres de orquestas durante los años cincuenta normalmente decían, “Consíganme a Héctor Rivera!”