THE SOUL OF BRASIL THE VERY BEST GILBERTO GIL

Gilberto Passos Gil Moreira (26 de junio de 1942), más conocido como Gilberto Gil, es un ganador del premio Grammy cantante brasileño, guitarrista y compositor, conocido tanto por su innovación musical y el compromiso político. De 2003 a 2008, se desempeñó como Ministro de Cultura de Brasil en el gobierno del presidente Luiz Inácio Lula da Silva.
Gil empezó a tocar música cuando era niño y todavía era un adolescente cuando se unió a su primera banda. Comenzó como un músico de bossa nova, con el tiempo a escribir canciones que reflejan un nuevo enfoque en la conciencia política y el activismo social. Fue una figura clave en la Música Popular Brasileira y movimientos Tropicalia de la década de 1960, junto a artistas como Caetano Veloso antiguo colaborador. El régimen militar brasileño que tomó el poder en 1964 vio tanto Gil y Veloso como una amenaza, y los dos se llevaron a cabo durante nueve meses en 1969 antes de que se les pidió que abandonaran el país. Gil se trasladó a Londres, pero volvió al estado de Bahía en 1972 y continuó su carrera musical, así como el trabajo como político y defensor del medio ambiente.
El estilo musical de Gil incorpora una gama ecléctica de influencias, incluyendo rock, géneros brasileños como la samba y forró, la música africana y el reggae.
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EXUMA RUDE BOY (STREET LIFE)

EXUMA: Después de haber sufrido un ataque cardíaco leve, en los últimos años de su vida lo vio repartiendo su tiempo entre Miami, FL y las Bahamas, en una casa que su madre le había dejado. Estaba feliz, si no terriblemente rico de tres décadas en el negocio de la música. Su amigo de Castro le ofreció grabar, si Exuma decidió visitar a Nueva York otra vez.Este día nunca llegó, para la próxima vez que visitó en 1997, encontró que Exuma había muerto mientras dormía. Músico,pintor y poeta, vive Exuma!

¿Quién fue Exuma?Él era un espíritu que vino de un planeta, ahora extinta, que nos ha traído un rayo, que se había comunicado con Caronte, el barquero del río Styx y sacerdotes vudú. Cuando se informó al mundo de sus viajes, e incluso advirtió de Armagedón, que dejó la Tierra, tal vez cansado de lo corporal y movimiento a lo etéreo.Nació Anthony McFarlane McKay en Cat Island en las Bahamas a principios de los años 1940. A continuación, se trasladó a Nueva York, para estudiar arquitectura en la edad de 17 años. Él se quedó sin dinero para sus estudios y en 1962, participó en hootenannies música popular. Ganar la confianza, comenzó un grupo llamado Tony McKay y los isleños. También fue en un show llamado un poco de esta 'n' que en 1965, junto con Richie Havens.Fue una pesadilla de marketing. Que supo que le peg? Encontrar sus discos nunca ha sido una tarea fácil. A menudo, a través de fuerza de color, fue puesto en el alma o la Papelera de R & B, a pesar de que su música, mientras que conmovedora, no pertenece a cualquiera. Cuando su primer álbum fue lanzado en 1970, había secciones de música de otros países, sin embargo, desde que vivía en Nueva York y grabó para Mercury, que pudo haber parecido fuera de lugar. Su música no era ska o el reggae. Él era un contemporáneo de Bob Dylan y Peter Paul and Mary, incluso jugando el Café Wha? y el final en el Greenwich Village, pero su música no era de la misma rama del canto popular como Dylan, Woody Guthrie o Elliott Ramblin 'Jack. Sus discos no podían ser colocados en Roca, además, que lo conseguiría si se puso allí?Todas las respuestas anteriores son, en mayor o menor medida, "correcto".Al pasar los años, s los años 60 vio a muchas corrientes de la música que se presentan, como el ahora denominado "garage" La música y la psicodelia. La música folclórica en su forma acústica había disminuido en popularidad y ha dado paso a la Folk-Rock. El blues estaba disfrutando de un resurgimiento, en otras palabras, al cierre de los años sesenta, la paleta musical popular había crecido considerablemente variada.Introduzca el Dr. John, el Noctámbulo. Sesión hombre Mac Rebennack inventó el Dr. John persona de su primer álbum, Gris-Gris, que era una fascinante mezcla de vudú, rhythm and blues y psicodelia y ha recibido mucha atención crítica y el público en 1968.Una persona que se convirtió en la mayoría de los interesados ​​en la psicodelia era un señor llamado Bob Wyld, quien junto con Polhemus Arte fue la gestión de la Magoos Blues. The Blues Magoos lanzado varios álbumes y tuvo un éxito, "No tenemos nada todavía." Wyld encuentra Exuma y registros convencido de Mercurio para firmarlo, con la esperanza de crear algo en la vena Dr. John. Wyld incluso participaron en el proyecto bajo el seudónimo de "Daddy Ya-Ya."Es difícil describir la música de Exuma. Muchas veces, no hay mucho en la forma de instrumentación, la mayoría de las canciones están ancladas en torno a su forma de cantar y tocar la guitarra acústica. Es innegable influencia africana, con la percusión más exóticos, pero también se basa en las creencias del vudú se encuentran en las Indias Occidentales. Su forma de tocar la guitarra es sólido, pero no llamativo. Una vez dijo en una entrevista: "Yo sólo sé algunos acordes, pero puedo estirar!" Su mejor instrumento era su voz. Fue una cosa de belleza irregular. Ni demasiado alto ni bajo, es obligado e hizo un gesto, un sonido como si él había experimentado muchas cosas en muchos planos.En el primer álbum de Exuma (llamado Exuma , pero subtitulado "Fuego") se escucha el aullido de un lobo, guitarra acústica, bongos y campanas. Luego, una voz ronca canta:"Yo he venido abajo en un rao de nueve meses en el vientre de mi mamá. Cuando nací, el grito de la partera y gritar, que tenía los cristales de fuego que sale de mi boca. Estoy Exuma, yo soy el obeah! "La canción de obtener aún más colorido después de esto, si usted no lo crea. Hace mención de caminar con Caronte (el barquero en el río Estigia) y Héctor Hipólito (artista y sacerdote vudú).Los coros son dolorosos y como canto-, hay cantos de los pájaros y todo el asunto termina con una explosión sónica.Luego, la segunda canción se pone en marcha!Esto fue en 1970. The Guess Who fueron enfureciendo a ciertas personas con su canción "American Woman", que algunos tuvieron que ser anti-patrióticos, por lo que sólo se puede recoger lo que la reacción a este álbum se han generado entre las mismas facciones.Una pista, "Séance en el sexto traste," es exactamente eso, una sesión de espiritismo. Mientras que "Mass Negro" de Lucifer (Mort Garson) tiene una simulación de una sesión de espiritismo en él, el oyente puede llegar a ser individual, ya que el álbum se juega enteramente en el sintetizador. Esto no se siente simulado (no hay acompañamiento musical, pero las palabras son en prosa, no poesía), incluso si no hay muertos hablaba con nadie involucrado en el expediente. Él dice en voz alta los nombres de tres personas fallecidas y hay efectos de sonido, no es exactamente un registro de campo, ni tiene la sensación de un musical de Andy Hardy en la que Mickey Rooney vuelve a Judy Garland, y dice: "Hey, vamos a poner en un sesión de espiritismo! "Las ilustraciones del álbum son algo extraña. Una cara de angustia en la portada, la imagen desplegable cuenta con dos perfiles de color blanco, silueta mirando en direcciones opuestas, una reminiscencia de la griega dios Jano, con dos alas detrás de él. La cubierta trasera ofrece una mariposa, cuyas alas tienen dos pares de ojos, un juego inquietante recuerdo de los ojos de la cara de angustia en la portada!No hay fotos de sus acompañantes, el nombre de "banda basura". El personal es semi-cubierto de seudónimo (no muy diferente de Captain Beefheart trucha Replica máscara de disco o, por lo demás, el Dr. Juan Gumbo álbum):Coros se acreditan a Mildred Vaney (más adelante en cristal tallado) y Frankie Apalancamiento (acreditado en el álbum como el de Mama Loi), que estaba en el Steinway y más tarde se unió tranquila elegancia, que contó con la hermana Martha Reeves, Lois. El ahora misteriosamente acreditado "la princesa Diana" fue Diana Claudia Bunea, que estaba viendo Wyld en el momento de Sally O'Brien y que estaba saliendo con Exuma.Mientras mira a través de varios discos, el bit más interesante de la información revelada fue que el hombre acreditado como "Boy Spy" Thielhelm ", Peppy, el niño espía" y "Peppy Theilhelm" resultó ser nada menos que Peppy Castro, vocalista principal de la Magoos Blues!¿Cómo sucedió esto? Bueno, Castro y sus compañeros de sello se Exuma y la gestión también compartida. Imaginar cuentos del folklore de las Bahamas y lo que Castro describió como el "tribal" la naturaleza de la grabación. (Castro también había jugado tanto Berger y la trama en el pelo , que se llamó "El Tribal Americano Love Rock Musical"). Castro se alegró de participar en un proyecto sin restricciones. "Yo no tenía ninguna de las tensiones de una banda de rock típico, me acaba de llegar y lo hizo."  Algunas de las letras son bastante espectacular y escalofriante:"Una araña se arrastró a través de mi cara, difundirla en la Web sobre la raza humana ... Mama Loi, Papa Loi Veo el fuego en el ojo del muerto "   - "Mama Loi, Papá Loi"  "Usted no va a ir al cielo, usted no irá al infierno,usted seguirá siendo en sus tumbas, con el olor y el olor. " O Dambala, vienen Dambala.  - "Dambala"Este álbum obtuvo un poco de atención, pero no vendió bien horrible. Se debe haber hecho algo de un toque como su canción "No sé qué está pasando" se utilizó para la película de Joe. Esto puede haber sido una estratagema de mercurio, ya que fueron ellos los que publicó la banda sonora.No era muy diferente en su próximo álbum, Exuma II , que también fue lanzado en 1970. El álbum comienza con la impactante "tonto" ("Usted pensó que usted se casó con una mujer? / Te casaste con un pájaro grande y negro"). En lugar de una sesión de espiritismo "hay un resurgimiento Zombie (" Paul Simon Nontooth ") y mientras que este álbum no es sorprendente que la primera, sigue siendo muy bueno. Y una vez más, mientras que Billboard le había dado dos álbumes altas calificaciones, no se vendió bien.En lo que tiene que ser uno de los accesos más rápidos de la impaciencia en la historia de la grabación, después de dos álbumes en un año y un par de singles, Exuma fue lanzada por el mercurio. El primer álbum podría haber sido aprovechado fácilmente por un sencillo con "No sé qué está pasando", especialmente con el empate en la película. En cambio, El mercurio liberado "Exuma," que es una buena canción, seis minutos de duración que no debería ser modificado, no un sabio para elegir a un artista que está estrenando. El mercurio liberado "tonto" como single del segundo álbum. Si bien es una canción muy bien, es una elección cuestionable, teniendo en cuenta la palabra "D" es la primera palabra en la canción y se repite muchas veces después. Esto probablemente no Exuma querido entre muchos de los directores de programas de radio, a pesar de que estaba recibiendo algunos Airplay FM.En resumen, al final del álbum, que podría muy bien estar convencido de que Exuma es, por así decirlo, el vudú en serio acerca. Dr. John era un personaje; Exuma parecía extrañamente real, posiblemente debido a la falta de fotografías claras, posiblemente la voz dolorosa e inquietante e instrumentación escasa. Exuma era de hecho muy versado en el folklore y las Bahamas, llevaba encima varios remedios de hierbas.En 1971, se firmó a Exuma Kama Sutra, que a primera vista puede parecer extraño, ya que era parte del Buda (leer goma de mascar) imperio. Sin embargo, por la década de 1970 que estaban buscando un golpe y se dedicaban a distribuir varias etiquetas, como Curtom Curtis Mayfield y sello Invictus Holland-Dozier-Hollanda

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EXUMA DO WAH NANNY

EXUMA: Bueno, Exuma más que un grupo es el proyecto del músico de las Bahamas Tony Mackey, quien mezclaba el folk (al que podríamos definir como folk-vudú) con dosis de psicodelia y sonidos caribeños.
Nosotros tenemos su álbum mas conocido, que es el primer disco de 1970, en donde viene esa "Dambala" que citas, balada folkie con cálida guitarra acústica, coros y campanillas. En general buen trabajo de atmósferas y ritmos afro-caribeños, con lograda percusión ¿Quién puede permanecer quieto con el ritmo de "Junkanoo"? Bueno... algún amuermado siempre hay.Como legado musical tenemos el tema Do wa nanny explosivo en los años 70 en nuestras verbenas populares .Su primer álbum para el Kama Sutra, Do Wah niñera muestra una expansión de la instrumentación y el cambio es muy positivo, ya que el tema que da título ruge a través de los altavoces, suena no muy diferente de la música Soca. Las letras siguen siendo igual de sorprendente y dura como siempre (una línea es "Ella es de Satanás a los familiares") y por primera vez en el registro, Exuma muestra su lado más conciencia social con "The Bowery" una poderosa declaración de quedarse sin hogar. Se trata de un álbum fuerte, sufriendo solamente de algunas canciones que se extrae demasiado tiempo ("Siglo 22" se prolonga durante nueve minutos).  Do Wah niñera fue lanzado como single de este álbum, y teniendo en cuenta que "día tras día" de Shangó había sido un éxito de un par de años antes, podría haber tenido una oportunidad en la radio, pero tristemente no ser.
Serpiente sigue la buena racha de Exuma musical, no sólo manteniendo los cuernos, pero la expansión de la paleta musical. Es un disco de contradicciones, para estar seguro. "El verano en Nueva York" es una canción cruda menores clave en un tempo lento, con sólo un acompañamiento escasa, mientras que la canción con un estribillo cadencioso en tono mayor, se llama "metro camino al infierno!" La pista del título es otra stomper con imágenes sexuales garantizado para mantenerse bien lejos de la radio.
Sus espectáculos fueron muy bien recibidos, sino que se hundió con Sly and the Family Stone audiencia es. Que debe haber sido todo un espectáculo, Exuma y su Banda basura vestidos con ponchos y el brillo.
Había lanzado Exuma sólo estos cuatro álbumes grabados y nunca otra vez, tendría que definitivamente le consagró como uno de los grandes artistas no descubiertos de la década de 1970.Los próximos dos lanzamientos hundido Exuma musicalmente. Todos los álbumes después de eso ya no aparece la mano de Bob Wyld. Si Wyld dejó por voluntad propia o debido a la intromisión del Kama Sutra o Exuma querer que se había ido (se le conocía a cambiar de banda, ya que le convenía), no se sabe. Kama Sutra, en lugar de soltar un cantante y compositor con talento, obviamente, como Exuma, que no estaba vendiendo, dado a conocer en los próximos dos álbumes que apestaba a "marketing". reencarnación y la vida demostró ser el final de la conexión de Exuma con los principales sellos discográficos.
De la reencarnación , cuanto menos se diga mejor. El problema es que en el horizonte cuando las mejores canciones del disco son "Brown Girl", una vieja canción popular y "Monkberry Moon Delight", una canción de Paul McCartney. Este álbum es sin duda su punto más bajo, musicalmente.
La vida es un poco de rebote, pero no mucho más de uno. "La gente Night Time" es una buena canción, sin embargo, justo después de que la terrible "Hayride", lo que demuestra que Exuma nunca debe grabar un álbum de país y de Occidente. "Kenyatta Alisha", probablemente escrito por su hija, le ha sonar como Cat Stevens, no Exuma. Mientras que el álbum es muy animado y cantado con energía, muestra las costuras. Exuma lanzado seis álbumes en tres años y hay una dependencia grave en las cubiertas. Además, lo que optó por cubrir es muy extraña! De los Rolling Stones "Paint It, Negro" y "no siempre se puede conseguir lo que quieres" y Mickey y Sylvia "El amor es extraño" ilustrar este punto!
Un presagio de malos tiempos por venir, hay un poema en el interior de la chaqueta, titulado "Armageddon", que es cruda, la refrigeración sin duda la mejor letra en el álbum y ... no es una canción en el álbum.
El efecto de estos dos discos no es muy diferente ver a Burt Lancaster en Jim Thorpe, All-American . Guarde el argumento (no injustificable) de fundición, una escena muestra a uno de los más grandes atletas del siglo XX después de los Juegos Olímpicos, despojado de sus medallas, debido al racismo y juzgado en el estado de aficionados durante los juegos. ¿Dónde está? Él está en un concurso de baile, repartiendo premios y que él está usando un traje que es la concepción de cada uno de lo que los indios deben dónde. Thorpe (Lancaster) está repartiendo chucherías indiferencia en voz baja, su orgullo por los suelos.
No haber cumplido Exuma, los dos últimos discos tienen casi el mismo efecto, la introducción de los instrumentos no occidentales no están a la vanguardia. Los instrumentos están hechos de buen gusto y seguro. Hay un sentimiento de buena timey sobre ellos, pero me parece forzado y al mismo tiempo no se puede fruncir el ceño y se ominoso todo el tiempo (Exuma no era estar atrapado en una rutina artística), si esta es la alternativa, no llevar bien. Con la persona despojada y la música en forma tal, esto es una decepción.
Exuma no volver a grabar durante siete años. Esto no quiere decir que estaban parados, sin embargo. Actuó en el Festival de Jazz de Nueva Orleans desde 1978 hasta 1991, abierto a tales actos diversos como Toots and the Maytals, Steppenwolf, Bandera Negro y X, la vuelta al mundo. Él incluso fue galardonado con la Medalla del Imperio Británico por la reina Isabel II.
Exuma no estuvo exento de los aficionados en el negocio de la música. Sus canciones estaban cubiertas por Jimmy Castor ("Bam Bam"), Laurie Freelove, antes de dos niñas Niza ("tonto") y la Dra. Nina Simone ("Siglo 22", "Mujer brujería africana") y atrajo a muchos buenos músicos en sus discos, como Castro, el pianista Patti Bown, el vocalista Aziza Bey (que había registrado anteriormente como Elena), el baterista 
Bernard Purdie y Pee Wee Ellis, que era director musical de James Brown.
1980 trajo salchicha Penny . Este álbum es decididamente mejor que las dos últimas en el Kama Sutra, pero una producción mediocre y una escasez de ideas ("Armageddon" es la canción del poema de siete años) tienden a que se hunda un poco. Incluso se inicia con una canción, "El regreso de obeah" que suena un poco demasiado como "Exuma, el obeah" de su primer álbum. Hay una libertad en que tal vez debido a la presión de no etiqueta más importante, que es la boya del álbum y Exuma se encuentra todavía en voz bien.
Sus dos últimos álbumes fueron universal Exuma y Street Life . En este momento, Exuma estaba disfrutando de su mayor reconocimiento. En las Bahamas, que incluso anotó dos singles de éxito ", Shirlene" y "Rose Mary Smith." Se había mudado a Nueva Orleans y era un regular en el New Orleans Jazz Festival y patrimonio. Actuó con regularidad en el Viejo Bar Absinthe. Estas noches podría convertirse en sesiones de improvisación, como él tenía la costumbre de canciones a partir de que no estaban en el set list y todavía atrae a grandes músicos, tales como Bill Wyman y su banda de Bob Dylan respaldo.Exuma era un hombre que dejó un gran legado de la música y la pintura, uno de los cuales fue comprado por nada menos que director de cine Jonathan Demme. Uno se pregunta si la mariposa en el silencio de los corderos carteles podría haber sido sugerida por la mariposa en la contraportada del primer álbum de Exuma!Después de haber sufrido un ataque cardiaco leve, en los últimos años de su vida lo vio repartiendo su tiempo entre Miami, FL y las Bahamas, en una casa que su madre le había dejado.Estaba feliz, si no terriblemente rico de tres décadas en el negocio de la música. Peppy Castro le visitó allí, y recordó que la casa estaba "errores infeste ... había un colchón en el suelo y fue rodeado por sus pinturas y las cintas de su música". Castro se ofreció a grabar, si Exuma decidió visitar a Nueva York otra vez. Este día nunca llegó, para la próxima vez que visitó en 1997, encontró que Exuma había muerto mientras dormía  
También parece que nunca se hizo de enemigos. A pesar de que él cambió las bandas, casi ninguno de los ex miembros de la banda tuvo duras palabras sobre él. Imagina jugar con alguien cuya música era a veces, folk, reggae, country y western o Rock. Cerca del momento de su muerte, que estaba de compras en un álbum para varios sellos discográficos y, por desgracia, sólo podemos imaginar lo que hubiera sonado como (alguien Polka,?).
Músico, pintor y poeta, Exuma vida!

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HIGHLIFE SAFARI ERIC AGYEMAN

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ERIC AGYEMAN: fue un guitarrista muy popular de la región de Ashanti. En su mayoríaregistrados en el año 1979 con el núcleo de la banda habla dulce. Esta es la guitarraimpulsado por highlife con algunos vientos y sintetizadores cursi, representante del estiloque era popular en la década de 1980 1970 a finales - un sonido más duro, más agresivo que el "palmwine" y el cuerno impulsada por estilos de orquesta de baile que le precedieron , y menos occidentalizado que el "Burger highlife" de sonido que se popularizómás tarde, cuando muchos de los músicos terminaron en Europa. Una variedad decantantes como el inimitable AB Crentsil manejar tareas vocales.:Este álbum suena la música highlife hermosa. Guitarra teñido de Zaire Eric Agyemanrealmente brilla en "Highlife Safari". Registrado en la década de 1970, que capta el momento en que el género iba a la deriva lejos de la utilización masiva de latón y en movimiento hacia el uso de todos los instrumentos musicales eléctricos. Así, los cuernos se utilizan sobre todo para los acentos y la puntuacion. Mientras que los teclados de Áfricagrito de vez en cuando, es la polirritmia que hacen todo lo posible para influir en ese ritmotropical maravillosa. No hay suficiente espacio dentro de las canciones para que los músicos de "estirar". Esto es música de fiesta grande ya que es muy bailable. La escritura de la canción es buena y la producción es excelente. En general, "Highlife Safari" es un complemento a cualquier colección de música de Ghana.Considerado durante mucho tiempo como un álbum de highlife clásico desde su lanzamiento original en 1978, Highlife Safari mantiene su vigor e inmediatez en la actualidad. Ghana highlife música es una música suave y melódica danza, Eric Agweman comenzó a jugar en 1963, poco a poco el desarrollo de una nueva forma llamada sikyi , utilizando ritmos Ashanti y popurrís tradicional canción y los acordes de menor importancia de los principios de "vino de palma" estilo, pero mejorado con instrumentos modernos y algunos licks de guitarra congoleño soukous sustitución de los más habituales highlife de arreglos de vientos. Los surcos resultantes se han ampliado los asistentes encantados partido desde entonces, y estos seis pistas largas demostrar por qué, zumbido guitarras, balanceo de líneas de bajo, y, en ocasiones cuernos punzantes lo convierten en un alimento básico pista de baile hoy en día. También se incluye una pista de la asociación rara Agyemen con la banda Korroko en la década de 1980.

REMMY ONGALA SONGS FOR THE POOR MAN

 REMMY ONGALA:Ramadhani "Remmy" Mtoro Ongala (1947 - 13 de diciembre de 2010) fue un tanzano guitarrista y cantante. Ongala nació en Kindu , República Democrática del Congo . Los niños estadounidenses sueño de convertirse en músicos de pop por el glamour de estilo de vida que acompaña pop estrellato en los Estados Unidos. Para Remmy Ongala, que creció en Zaire y vive en Tanzania, la música era una constante, completamente tejida en su vida cotidiana. Convertirse en un músico era tan natural para él como una carrera en la agricultura sería la de alguien que se crió en un pueblo agrícola a distancia. En su canción "Lolango", articulado Ongala sus razones para ser un músico: "¿Qué es mi trabajo Mi trabajo es cantar yo vivo para que pueda cantar, comer, porque yo canto todo en la vida es porque yo canto.."
Realizando sobre todo en un país donde las instalaciones de grabación son escasos , las leyes de derechos de autor son inexistentes , y la música se reproduce en pequeños clubes en lugar de gigantescos estadios deportivos, Ongala ha logrado obtener un seguimiento internacional. Muchas de sus canciones tratan directamente con los temas de la pobreza urbana, el desempleo y la muerte. Sin embargo, su mensaje de esperanza para el más débil frente a la opresión parece un eco con los oyentes de diversos orígenes. A pesar de que canta principalmente en swahili, la pasión con que Ongala presenta su caso trasciende las barreras del lenguaje.
Ongala nació en 1947, en el Kivu región del este de Zaire, que en ese momento era conocido como el Congo Belga. Su familia vivió en Kindu, no lejos de la frontera con Tanzania. Poco después de Remmy nació, se trasladó a Kisangani , a unos 250 kilómetros al norte. En estas áreas, como en gran parte de África, la música permeado casi todas las facetas de la vida, y Ongala se sumerge en ella desde el nacimiento. Su padre era un músico de talento, a nivel regional conocido como un tambor de mano y un reproductor de mbira. El mbira, una pieza hueca de madera o calabaza teniendo listones de madera o de metal que vibran cuando arrancó, es uno de los diversos instrumentos Ongala comenzó a aprender de su padre a una edad muy temprana.
Gary Stewart, en su libro Breakout, contada por cuenta propia Ongala de las circunstancias comunes que rodean el nacimiento del músico. Según Stewart, la madre de Ongala había estado embarazada dos veces antes, y las dos veces que el niño había muerto. Como última esperanza, se volvió hacia uno de los médicos tradicionales locales para pedir consejo. Él le dijo que no vaya al hospital la próxima vez que estaba embarazada, sino que el bebé nació en la selva con la ayuda del curador. Luego le advirtió que nunca para cortar el pelo del niño, un voto que mantuvo por el resto de su vida.
En su juventud, Ongala se avergüenza de su hirsuto cabello. Pero después, cuando el reggae estrella Bob Marley imagen "s se hizo visible en el Zaire, los bloqueos se convirtió en un motivo de orgullo. Remmy también nació con dos dientes intactos frente, piensa que es una señal de que él mismo podría llegar a ser un sanador. Aunque optó por no seguir esa carrera, "El Doctor" se convirtió en eventual apodo es Ongala entre los aficionados de Zaire y Tanzania.
Cuando Ongala tenía sólo seis años, su padre murió. Desde que su madre no podía pagar la escuela, Ongala se vio obligado a dejar de fumar. Por la década de 1960, Ongala se estaba enseñando a tocar la guitarra. Cuando su madre murió en 1964, se convirtió en el jefe de la familia, responsable del cuidado de sus hermanos menores. Sin opciones de trabajo disponibles, Ongala comenzó ganándose la vida de reproducción de música.Su guitarra mejoró rápidamente, y pronto fue capaz de conseguir un trabajo frecuente jugar en hoteles de la zona. Para los siguientes doce años, realiza una gira por todo el este de Zaire y Uganda, a tocar la guitarra y la batería con una serie de bandas de la región, incluyendo Succ s Muachana y Jazz Gran Mickey.
Mientras él estaba enseñando a tocar la guitarra, y como él desarrolló su propio estilo durante la primera parte de su carrera, Ongala estuvo muy influenciado por el nuevo estilo urbano Congo de la música que se hacía popular en la década de 1960. La música cubana también se reproduce ampliamente en el este de África en ese momento. Ongala cita como sus principales influencias de la época del canto de José Kabasele y la relajada y rumba estilos de guitarra de un artista conocido simplemente como Franco.
En 1978 Ongala fue convocado por un tío de Dar-es-Salaam, la capital de Tanzania, para unirse a la Orquesta Makassy , una popular banda liderada por Mzee Makassy, ​​que también era originario de Zaire. Mientras que un miembro de ese grupo, Ongala escribió su primer éxito, "Sika Ya Kufa (El día que me muera)", en honor a un amigo que había fallecido. La tenencia de la Ongala con la Orquesta Makassy duró unos tres años. Luego se marchó para unirse a la Orquesta Súper Matimila , otro grupo de arriba-y-venir de Tanzania.
Matimila, cuyo nombre proviene de la de un pequeño pueblo cercano, se convirtió en un accesorio en la animada Dar-es-Salaam escena de la música club, y Ongala se convirtió rápidamente en el líder del grupo. La banda llegó a tener 18 miembros, aunque por lo general sólo seis u ocho que aparecen en el escenario en un momento dado de rendimiento, ya que club de conciertos en Tanzania puede durar hasta seis horas. La atmósfera informal permitió a los músicos para girar y salir libremente, por lo general entre dos guitarras, un bajo, una batería estándar, otros instrumentos de percusión africana, y un saxofón . Casi todo el mundo cantaba.
Durante la próxima década, se convirtió en Ongala uno de los compositores más prolíficos de Tanzania. Por lo general deja las canciones de amor a los demás, concentrándose en cambio en la escritura de letras que abordaban las preocupaciones sociales. Incluso después de alcanzar un nivel razonable de vida confortable para sí mismo, Ongala continuó defendiendo a los pobres en sus canciones. Llamó al estilo de su materialubongo, que a grandes rasgos significa "música cerebral" en swahili.
Esencialmente no existe industria discográfica en Tanzania, y por lo tanto, no existe un mecanismo para el cobro de regalías, del mismo modo, los sindicatos de músicos y de las leyes de derechos de autor no están disponibles. Los músicos locales son casi totalmente dependientes de las actuaciones en directo de sus ingresos, y al mismo tiempo la escena musical en los alrededores de Dar-es-Salaam es ciertamente vibrante, la competencia entre las bandas es feroz. Como Matimila llamó la atención, el grupo comenzó a grabar algunas de sus canciones para la radio de Tanzania, pero esto no se tradujo en grandes cantidades de dinero como Airplay en el Occidente en general lo hace.
La introducción de la música Ongala a un público europeo se inició en forma sencilla. A finales de 1980, Ongala dio una cinta de su banda a un amigo británico que estaba a punto de regresar a Inglaterra. La cinta fue aprobada finalmente por los miembros del mundo de la Música, Artes y Danza (WOMAD), una organización que promueve los artistas del Tercer Mundo. La gente de WOMAD se quedaron tan impresionados por el material que Ongala y compañía fueron invitados a participar en la gira de 1988 WOMAD.
Las audiencias occidentales aprecian la música bailable Ongala inmediatamente. De vuelta en Tanzania, sin embargo, su debut en Europa no fue elogiado universalmente. Uno de los miembros de la prensa, Omar Bawazir, fue especialmente duro. Escribiendo en Uhuru, criticó a la banda para llevar a cabo con "estómagos desnudos y redondeados" en vez de en traje occidental normal, alimentando la prensa occidental está sesgadaideas sobre el subdesarrollo del Tercer Mundo.
Cálida recepción europea Matimila llevó WOMAD para lanzar una colección de las mejores grabaciones de radio Ongala de Tanzania desde la década de 1980. El álbum resultante, titulado Nalilia Mwana, presentó una serie de canciones que tratan con la política de la pobreza. Se incluyeron títulos como "Ndumila Kuwila (No hables con dos bocas)," y "Hana Mnyonge Haki (los pobres no tienen derechos)."
Valoraciones de Europa Ongala debuta, en vivo y grabadas, casi por unanimidad estelar, lo que lleva WOMAD invitar al grupo a lo largo de su gira 1989 también. Matimila también fue invitado a grabar en un estudio de Western bien equipado por primera vez. El producto resultante, Canciones para el hombre pobre, fue grabado en los estudios reales estrella del rock británico Peter Gabriel Mundial, y editado en el sello mundial WOMAD afiliados Real. Una vez más, el álbum estaba repleto de canciones escritas desde la perspectiva de los oprimidos .
Songs for the Poor Man incluido "Kipenda Roho", un himno contra el racismo, que proclama la universalidad del amor. Este fue un tema especialmente cercano al corazón de Ongala, ya que se había casado y había tenido tres hijos con una mujer inglesa blanco por el momento. Aunque la mayoría de las canciones en el álbum había sombrío temas, la música en sí se eleva. Con su recién descubierta el acceso a los sofisticados equipos de grabación, Ongala fue capaz de producir un limpiador de sonido sin sacrificar la autenticidad de sus raíces musicales.
En 1990, Ongala y Matimila Súper dio a conocer un segundo disco británico en el mundo real. De nuevo sobre la base de la soukous y las tradiciones de su tierra natal rumba, Ongala producido Mambo, otra colección de canciones sobre política y social injusticia . Mambo se traduce aproximadamente del swahili, como "cosas" en el sentido de los comentarios o inquietudes. En un esfuerzo por involucrar a su creciente audiencia internacional, con el significado de sus canciones y no sólo sus pulsaciones infecciosas, Ongala cantó varias canciones en Inglés en Mambo. Una vez más, el tema más frecuente encontrar en el álbum es la pobreza. Entre los títulos de las canciones en Mambo son "Sin dinero no hay vida" y "One World".
Mientras tanto, la popularidad de Ongala en casa en Tanzania continuó elevan así, aunque el elemento de protesta en gran parte de su material no siempre endear lo que los funcionarios del gobierno. Ongala creó una controversia en 1990 por la liberación de una canción llamada "Mambo Kwa calcetines (las cosas con los calcetines)," una referencia a Tanzania argot para los condones . La canción fue una petición a los jóvenes africanos para ayudar a frenar la propagación del SIDA por practicar sexo seguro.
En general, los músicos no se llevan a cabo en alta estima en Tanzania. A menudo son retratados en la prensa como los vagabundos y drogadictos. Entre la gente común, sin embargo, que la causa de su cuerpo de trabajo celebra, Remmy Ongala está bien en su camino para conseguir la condición de héroe popular. Una parada de autobús en el distrito de Sinza de Dar-es-Salaam, por ejemplo, ha pasado a denominarse Sinza kwa Remmy. A pesar de que su audiencia crece para incluir muchos de los que no son ni pobres ni oprimidos, el mensaje es más fuerte Ongala habla a las personas que están más acostumbrados a los autobuses atestados de automóviles que cómodo.Un músico en aumento desde finales de 1980, Remmy Ongala era parte del soukous escena (una especie congoleña de Rumba ), que junto con su Orquesta Súper Matimila ayudó a transmutar la música de Tanzania a menudo se llama Ubongo , el Swahili palabra para el cerebro, en Tanzania , que a su vez condujo a Tanzania, hip-hop en particular en la ciudad de Dar es Salaam durante la década de 1990. Ubongo suele ser percibida por los artistas y oyentes por igual como "consciente" de música, que contribuye activamente al paisaje sonoro de Tanzania con el comentario socio-político. Creer en la abolición del racismo y la injusticia social, Ongala infunde sus letras con estos mensajes. [ 2 ] Su mensaje inspirador le ha llevado a ser apodado "el doctor Remmy". Tras el fin del régimen colonial británico en 1961, Julius Nyerereintroducido el valor de Ujamaa , o familyhood, que hace hincapié en la igualdad y la justicia. Tal se convirtió en un tema recurrente en la música de muchos artistas de Tanzania, incluyendo Remmy Ongala.Que se informó que murió en su casa el 13 de diciembre de 2010 en Dar es Salaam
wahili música era terra incognita para mí hasta que un día en el verano de 1984.Fui a visitar a Edmund Ogutu, un amigo mío de Kenia. Había llevado a cabo una pila de África Oriental 45 y los estaba tocando para mí. Sin duda disfrutamos de los sonidos de los Hermanos Kilimambogo y Jazz DO7 Shirati, similar en algunos aspectos a la música africana otro yo conocía, pero refrescante en su sencillez rústica. Luego sacó una Edmund Polydor etiqueta roja 45. La canción era "Mariamu", y fue por un grupo llamado Super Matimila Tanzania. Desde los primeros compases me sentí transportada por completo. Aquí había algo que claramente comparte el ADN de la música de Congo, pero había mutado en diferentes maneras sutiles. Obviamente, el hecho de que era en swahili y no lingala fue un punto de diferencia, pero lo que realmente me llamó la atención fue elcantante, quien tenía un estilo de jazz, improvisación vocal que era fresco y cálido, amable y reservado en el mismo tiempo. En cuanto a la discográfica que descubrí que esta persona fue nombrada Remmy Ongala. Edmund no podía decirme nada de él. Ahí es donde estaban las cosas hace un par de años, hasta que leí un artículo de Ron Sakolsky en Sound Choice , una revista musical largamente olvidado. Ron había vivido en Tanzania y, habiendo sido igualmente transformado por la música de Remmy Ongala, quería contar la historia de este gran hombre. Resultó que Remmy era originario de Kindu, en el Congo. Comenzó su carrera musical en ese país (luego rebautizado Zaire), y emigró a Uganda, para terminar en Dar-Es-Salaam, Tanzania en 1978, donde se unió a la Orquesta Makassy, ​​una banda liderada por su tío. Tres años más tarde se marchó para unirse Súper Matimila y pronto se convirtió en su líder. Me puse en contacto con Ron y él me envió dubs de más registros por Remmy Ongala, maravillosas canciones como "Ndumila Kuwili" y "Mnyonge Hana Haki". Por último, en 1988, los expedientes Womad en Gran Bretaña publicó un antología de larga duración de las grabaciones de África oriental Remmy Ongala de, Nalilia Mwana Remmy y Orquesta Súper Matimila actuó en el Festival WOMAD ese año y en 1989 grabaron su primer "profesional" álbum,Songs for the Poor Man ( RealWorld CDRW6), seguido en 1992 por Mambo ( RealWorld CDRW22) . Ambos discos están muy bien, pero en mi opinión la intimidad e inmediatez, el alma de las grabaciones de Tanzania se ha perdido en la transición a un "profesional", "moderno estudio de grabación". Nalilia Mwana , que nunca fue editado en CD, ha sido durante mucho tiempo fuera de impresión, y hasta donde yo sé no hay planes para volver a emitir, aunque una versión editada de la canción apareció en 1995 de Sema (WOMAD Seleccione WSCD002). Me duele que el público general no está familiarizado con la sonidos verdaderos y auténticos de Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila, la música que es conocido y amado por millones de personas en el este de África. Para rectificar esta injusticia presento varias pistas de Nalilia Mwana y de otro álbum que se publicó sólo en el Este de África, de 1988 en el escenario con Remmy Ongala(Ahadi AHDLP 6007). Las descripciones de las canciones son del revestimiento señala: "Nalilia Mwana" (I Cry for a Child) es el lamento de una mujer que no puede dar a luz: "Mola, a ti grito, Mola, te beseetch, ¿qué debo hacer para merecen esa desgracia. Un niño no es algo que se puede comprar ... A la madre de un niño que nunca crece. Incluso si fuera cojo, o feo como Remmy, seguiría siendo un niño ".Remmy Ongala & Super Orquesta Matimila - Nalilia Mwana Nuestro siguiente selección es también de Nalilia Mwana . "Ya Sika Kufa" (The Day I Die) cuenta la triste historia de un hombre que se está muriendo: "La belleza se acaba, se acaba la juventud, la inteligencia ha dejado Pero la casa que construí permanece y mis hijos están llorando Un cadáver tiene.. hay compañeros - todos mis amigos huir de mí Mientras que solíamos comer y beber juntos Ahora tienen miedo de mí Ahora soy como el diablo ".... Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Sika Ya Kufa "Ndumila Kuwili" (No hablamos con dos bocas), el último de Nalilia Mwana ., se refiere a que milenaria problema, los celos: "Solíamos ser amigos Vivimos juntos como hermanos, pero me sorprende, hermano - no hable. .. Jugando con dos bocas de una persona contra otra celos y la discordia no es el camino correcto "". Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Ndumila Kuwili "fue Kifo" (muerte) mi canción favorita en Canciones para el hombre pobre , así que cuando He recibido una copia de On Stage con Remmy Ongala , que incluye el original, tenía curiosidad por saber cómo las dos versiones comparadas. Este es un caso en el que, en mi opinión, el "remake" es una mejora con respecto a la original, que es una melodía muy bien ya la letra:. "Muerte, te llevaste mi esposa. Mi hijo llora todos los días."Padre, ¿dónde está mi madre?" Pero no puedo encontrar las palabras. Las lágrimas se caen por mi cara. . Por tu culpa, la muerte " Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Kifo Un remake de "Narudi Nyumbabi," desde el escenario con Remmy Ongala , apareció en Mambo bajo el título de "I Wanna Go Home", y aquí es el original . claramente superior Hay algo acerca de la "baja tecnología" naturaleza de la grabación, y las letras en swahili, que sólo expresa la intensidad de las letras mucho mejor: "Quiero irme a casa. Tengo que volver a casa. El lugar que es nuestro hogar. Bueno o malo sigue siendo el hogar ". Remmy Ongala y Orquesta Súper Matimila - Narudi Nyumbani Hace un par de años me convenció Doug Paterson de la página de Música de África Oriental  Les dejo a consideracion los dos trabajos enlazados los dos LP ,para el disfrute de todas las canciones de Remmy , cuyas cintas han estado muy escondidas , son 18 temas con dos LP

ANGOLA 1972-1973

Angola 70 es un Lp que reúne artistas de la talla de Paulino Pinhero ,Ngomma Jazz, Super coba y otros entre los cuales se destacan: Finpantima , Celestina , Belita kirikiri , Merengue Rebita ;temas disfrutados en Barranquilla en la gran época verbenera en todos los bailes populares. 
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HOMENAJE AL JOE ARROYO

Álvaro José Arroyo González nació en Cartagena el 1º de noviembre de 1955, bajo la tutela de sus padres Guillermo Arroyo –quien los abandonó al nacer– y de su segunda esposa Ángela González, una administradora de hoteles humildes. Guillermo Arroyo, el popular «Negro Chombo», tuvo 39 hijos, con seis mujeres, todas llamadas Ángela. Su trayectoria profeccional empezo cuando ingreso a la orquesta "La Protesta", fundada en el año 1970, por los hermanos Leandro & Castulo Boiga, esta orquesta hacia sus presentaciones en el balneario de puerto de Colombia, llamado El Escorpion, despues de esto al a ver sido escuchado por Locutores como Marcos Perez, fue invitado a grabar con los Lideres donde grabo Los Barcos en la Bahia ;Joe Arroyo nació en Cartagena en 1955, en medio de duras carencias, entre ellas, la de la figura paterna. Su barrio, Nariño, era el de los palenqueros, de ahí el rasgo africano que marcaría su música; muy joven aprendió las palabras de la lengua criolla de origen bantú -heredada de la que trajeron esclavos senegaleses- que luego aparecerían en muchas de suscomposiciones.Comenzó a cantar en el coro de su colegio, el Seminario Santo Domingo. Por esos días cantaba con un balde en la cabeza, de los que usaba para llevarle agua a su mamá, y alternaba entre el coro religioso y sus frecuentes apariciones en los burdeles de Tesca, antigua zona de tolerancia de Cartagena. Para entonces ya había decidido que lo suyo era la salsa, con Richie Ray y Bobby Cruz como referentes.
Pronto pasaría de cantarles a los obispos a alternar con varias bandas cartageneras y a conquistar la audiencia con el show que hacía en el programa Radio Vigía, de la emisora Fuentes. Poco después se mudó a Sincelejo, bajo el amparo del maestro Rubén Darío Salcedo, quien lo mandó a guardar el 'Álvaro José' para bautizarlo 'el Joe'.
Con la orquesta de Salcedo hizo sus primeras correrías por el país. Permaneció en ella hasta el día en que lo contactaron unos músicos disidentes de la orquesta Michi y su Combo Bravo. Lo necesitaban para un proyecto con un propósito claro: "Hacer salsa brava, a lo Richie Ray". Así nació La Protesta.
Como voz principal de La Protesta llamó la atención de Discos Fuentes, sello que lo reclutó en 1972 y de una vez lo puso a cantar en la orquesta estelar del momento: Fruko y sus Tesos, que acababa de perder a su voz principal, Piper Pimienta, por diferencias con Fruko. Con apenas 17 años conformó con Wilson Manyoma Saoko un dúo que dejó huella en la música tropical colombiana. La orquesta también le dio una denominación de origen, Colombia, a la salsa que tocaban. Toda una novedad.
De esta época son canciones que todavía hoy suenan, como Nadando, Manyoma, Confundido y El caminante. Después de casi una década de sólo éxitos con Fruko, el Joe sintió que era hora de brillar con luz propia y, según ha dicho, movido por un sueño que tuvo, decidió montar su propia orquesta: La Verdad, proyecto que tardó varios años en despegar.
En ese lapso tuvo una fuerte crisis de salud a la que llegó tras tomar la ruta de los excesos y que llevó a una emisora de Barranquilla a anunciar su muerte. Problemas con la tiroides por poco obligan a los médicos a extirpar esta glándula, lo que habría comprometido sus cuerdas vocales. Por suerte, a punta de yodo radioactivo se recuperó. Y de qué manera.
Vino entonces la cúspide de su carrera. Con La Verdad recorrió el mundo y entre 1985 y 1990 produjo un álbum por año, y cada uno traía un hit más arrollador que el anterior. De esta época es Rebelión, una declaración de principios, una canción sobre la opresión de los españoles a su pueblo que ha sido centro de jolgorios y estudios académicos por igual y que partió en dos su trayectoria.
Con ella refrendó su ingreso a las grandes ligas de la música latinoamericana. Rebelión también le abrió las puertas de la BBC, que le dedicó un capítulo de una serie documental sobre músicos sobresalientes de todo el mundo.
Por esta época también les cantó a los reyes de España en Expo Sevilla 92; el diario The New York Times se refirió a él como uno de los artistas más importantes del planeta y firmó en Inglaterra con el sello Island Records, el mismo de Bob Marley y U2. Además, ganó cuantos Congos de Oro quiso en el Carnaval de Barranquilla, y una noche de 1992 en la que festejaba sus 20 años de vida artística se dio el lujo de convocar a 60.000 seguidores en El Campín.
Tras alcanzar la cima, vino la retirada, a finales de los 90. Pasó la última década en cuarteles de invierno, con pocas apariciones y muchas malas noticias, entre ellas una que lo devastó: la muerte de su hija Tania, en el 2001. Todo esto entre múltiples complicaciones de salud: a sus problemas con la tiroides se sumaron una infección en los pies, fallas en los pulmones, hinchazones constantes en la piel, fatiga muscular y, por último, una insuficiencia renal.
Y es que su vida fuera del escenario, mucho más nocturna que diurna, ha sido fuente de inspiración, pero también la causa de buena parte de estos problemas. "Joe siempre vivió al revés: a los 13 años, salía a las 10 de la noche a cantar en los burdeles de Cartagena, volvía a las 4 de la mañana y de ahí salía a estudiar a las 7.
Desde entonces se acostumbró a ser un vampiro, a vivir de noche", asegura Mauricio Silva, autor de su biografía El centurión de la noche. Y con la noche, sus peligros: las mujeres, que no le faltaron, el licor a borbotones y de ahí el salto a las drogas fuertes, sobre todo al bazuco, que desde muy joven lo atrapó y al que le hizo múltiples guiños en las letras de sus canciones. Nunca ha negado su consumo, pero tampoco lo ha proclamado.
"Siempre quedó en el imaginario un tipo sabrosón que fuma bazuco y mete cocaína. No mandaba mensajes como David Bowie o el mismo Héctor Lavoe, nunca hizo una declaración fuerte y polémica sobre el tema como sí lo han hecho tantos 'rockstars'. La gente se quedó con el negro chévere y bacano", dice Silva.
Un "negro bacano" que alcanzó, como ningún otro colombiano lo ha hecho, las grandes ligas de la música latina. "Él está en un olimpo con Celia Cruz, Ismael Rivera y Benny Moré", dice Silva.
La causa de su grandeza, lo que lo hace único es que, como ninguno antes lo había hecho, Joe miró al África y de allí tomó ingredientes para enriquecer sus trabajos, además de trajes y collares que lucía en los conciertos. Se propuso buscar las raíces no sólo de su música, sino de su pueblo en este continente. Tendió un puente musical entre dos lugares con un pasado común. Y lo hizo no sólo para enriquecer su repertorio.También se preocupó por reescribir la historia. Por darle voz a su gente afro. Y es que gran parte de su suceso se debe también a que supo decir cosas importantes. Sus letras tienen sustancia, no son las de la salsa romántica de los últimos años. Sabe hablar con elegancia del amor, pero también de las dificultades más cotidianas, de la noche y de las herencias de una cultura. Y todo con una voz prodigiosa.Además, fue el primero que rescató sonidos tradicionales africanos y del Caribe y los fusionó con otros más contemporáneos. Así dio a luz a su 'joesón', como él mismo bautizó en 1985 una música que cada vez se hacía más singular. Y tras el 'joesón' vino otro periodo fundamental en su carrera. "A partir de 1994, se dedica a la investigación del sabor caribe. Sus últimos éxitos fueron folclóricos: lejos de la salsa y el 'joesón', se mete más por el río Magdalena e incorpora a su repertorio canciones de cuna de las negras del río; bullerengues y chandés, entre otros", apunta Silva.Todo esto le permitió darles un nuevo aire a la salsa y a la música colombianas. Abrió el camino por el que hoy transitan los grupos que mandan la parada. Así lo reconoce Simón Mejía, de Bomba Estéreo: "El hecho de retomar ritmos colombianos, de volver a mirar toda esa herencia africana que tiene la música para producir música y generar nuevos sonidos ha sido el punto de partida de Bomba Estéreo y esto es en gran parte herencia del gran Joe".en la casa disquera "Discos Fuentes" a una prueba con la ya famosa y conocida orquesta de Fruko & Sus Tesos, tiempo despues de a hacer fecundo varios exitos con dicha orquesta, la orquesta The Latin Brothers lo invita a grabar y pegar varios exitos  los cuales hasta el dia de hoy se escuchan como si fuera ayer. Pero no fue si no hasta el año 1981 donde Joe funda su propia orquesta llamada " La Verdad",con su primer LP titulado Arroyando donde se destacan temas como la Rumbera, poco tiempo despues de esto Joe tuvo que suspender todos sus compromisos artisticos por una enfermedad que lo llevo casi hasta la muerte. Ya al a ver superado la enfermedad, vuelve a la carga  y se pego tanto en colombia que llego a ganarse el premio mas alto que un musico pueda obtener en Colombia  [El Congo De Oro] En una desafortunada de su salud muy complicada fue recluido a un centro asistencial de la ciudad de Barranquilla donde permanecio varias semanas en cuidados intensivos , Hoy 26 de Julio 2011 muere el mejor interprete de la musica en Colombia de Cartagena , y Barranquillero de corazón nos dejo un gran legado como lo son todas sus interpretaciones musicales, muy pronto le estaré actualizando toda la vida artistica de este Gran Artista Latino que hoy nos deja sus canciones.Dentro de sus facetas musicales tenemos pendiente un trabajo discografico elaborado por Richie Ray And Bobby Cruz en Homenaje a este gran artista Colombiano.  

Ni el sofocante calor, ni las colas de una, dos y hasta tres horas, ni la edad, impidieron ayer a personas del común y corriente, a los de a pie, los que bailaron apretao y sueltos las canciones del Joe, las que lo vitorearon y le dieron la gloria en cada uno de los escenarios donde se presentó, dar el último adiós a su ídolo.

Como si el dolor fuera propio, por la partida de alguien muy cercano, los colores que predominaron, dentro y fuera de la Catedral Metropolitana María Reina de Barranquilla, fueron el negro, el blanco, el beige, el gris y el morado.

Y aunque el encuentro con el hijo adoptivo de La Arenosa a ratos parecía un Carnaval en esos en los que tantas veces cantó el Joe, y en el atrio retumbaban los parlantes con su música, las lágrimas saltaban y daban muestra del sentimiento de aprecio que todo un pueblo le profesaba y que evidentemente no esperaban una despedida tan temprana.

Sus seguidores sabían que ya no iban a poder esperar el próximo Festival de Orquestas para verlo; la de ayer era la despedida final.

Como tantos que desfilaron frente al féretro del cantante, el cual cubrían las banderas de Barranquilla y de la organización de autores y compositores Sayco Acimpro, Edi Morón, un hombre cincuentón y espigado, no aguantó su llanto, luego de hablar en voz baja con el que yacía dentro del cajón. “Le pedí que me guardara un espacio en el cielo, y le agradecí porque disfruté mucho con su música, porque fue un hombre del pueblo”, dijo con voz entrecortada.

Tampoco los pasos cortos que revelaban sus 88 años, impidieron a Dora Pérez viuda de Cueto, quien vestía de blanco y negro, llegar cerca del Joe y lo primero que le preguntó era que porqué se había ido tan temprano. “Dios le ha debido dar más larga vida, porque él tenía mucho que dar, cantaba muy lindo” dijo con sentimiento. Además lo visitó porque era paisano bolivarense.

Con el mismo pesar habló Nicanor del Portillo, un pensionado quien luego de vivir 45 años en Los Ángeles (EU) regresó a su ciudad natal. Junto al féretro le agradeció al artista su música. “Me hizo bailar y me alegró la vida. Joe: que Dios te acompañe y te tenga en el cielo y lástima que se haya acordado tan pronto de tí”, dijo mirando al firmamento.

Cantos de alabao. La fila era a ratos interrumpida para dar paso al grupo de cantadoras de música de alabado, que llegaron de Bogotá enviadas por el Ministerio de Cultura.

Con su potente voz, Olga Perea, dejaba salir una plegaria: “Eoooo, mi negro que ya partió, el negro ya descansó”, y que repetían las cuatro mujeres y dos hombres que hacen parte del cortejo, que daba vueltas alrededor del cajón. Sus voces hacían un tributo al sentir del pueblo afrodescendiente de Colombia, que con la partida del Joe también despidió a uno de sus más destacados exponentes.

Al renovarse la romería, John, un hombre de 35 años, se acercó con la carátula del disco de Los Latin Brothers, una de las agrupaciones donde el Joe inició su carrera artística. “Lo quería ver para decirle que lo quería mucho y que siempre vivirá en nuestros recuerdos”, dijo.

En la fila permanecía ansiosa por lograr su cometido de ver a su ídolo por última vez, Milena. Poco le importó tener que esperar más de tres horas, ni el calor que aguantó por llevar el chaleco de motorizada, ni tener que cargar el casco.

Las horas pasaban y la romería aumentaba a medida que se acercaba la hora del funeral y a sus seguidores se les agotaba el tiempo para la despedida.

Al final nadie se atreve a especular cuántas personas pasaron al lado del cuerpo del cantante, pero fueron miles.

Seguidores, fanáticos, conocidos, amigos, vecinos de otros tiempos, desconocidos o simples curiosos; barranquilleros, cartageneros, costeños y de otras tierras, todos dentro y fuera de la Catedral, no se cansaron de despedir al Joe con la estrofa que todavía retumba : “En Barranquilla me quedo”. Y nadie niega que la Costa extrañará, el pasito tun tun.
DISCOGRAFIA : ARROYANDO, MUSA ORIGINAL,ECHAO PA´LANTE; EN ACCION; EXITOS ;EL SUPER CONGO ; LA GUERRA DE LOS CALLADOS  ; TOQUE DE CLASE ; FUEGO ; LO DIFERENTE ; SUS RAZONES TENDRA ; ANTOLOGIA MUSICAL 1 ; ANTOLOGIA MUSICAL VOL2 ; AQUI ESTOY ; DEJA QUE TE CANTE ; EL SONERO DE AMERICA ; FUEGO EN MI MENTE ; REYNANDO EN VIDA ; CRUZANDO EL MILENIO ; EL BAILE DEL SIGLO 1 ; EN SOL MAYOR ; LOS REYES DEL TROPICO ; REBELION ; 14 CAÑONAZOS BAILABLES ; EL DISCO ORIGINAL 1 ; EL DISCO ORIGINAL 2 ; MARCANDO TERRENO ; MEJORES EXITOS TROPICALES ; GRANDES EXITOS 1 ; GRANDES EXITOS 2 ; LO SALSERO ; SE ARMO LA MOÑA ; SUPER JOE1 ; SUPER JOE2
DISCOGRAFIA COMPLETA:
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HISTORIA DETRÁS DE U MUERTE
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DESPEDIDA DE BARRANQUILLA
COLECCIONISTA DANDO HOMENAJE EN BARRANQUILLA